Agustí Villaronga

Agustí Villaronga Riutort emergió como una figura singular del cine español, capaz de combinar una mirada poética con una precisión formal contundente. Nacido en Palma de Mallorca a mediados de los años cincuenta, su trayectoria abarcó la dirección, la escritura de guiones y la interpretación. A lo largo de décadas dejó una huella indeleble en la cinematografía ibérica gracias a una voz propia que oscilaba entre lo intimista y lo social, entre la belleza visual y la dureza de sus temáticas. Su obra, marcada por búsquedas constantes, continuó resonando incluso después de su fallecimiento en Barcelona en 2023.

Agustí Villaronga Riutort emergió como una figura singular del cine español, capaz de combinar una mirada poética con una precisión formal contundente. Nacido en Palma de Mallorca a mediados de los años cincuenta, su trayectoria abarcó la dirección, la escritura de guiones y la interpretación. A lo largo de décadas dejó una huella indeleble en la cinematografía ibérica gracias a una voz propia que oscilaba entre lo intimista y lo social, entre la belleza visual y la dureza de sus temáticas. Su obra, marcada por búsquedas constantes, continuó resonando incluso después de su fallecimiento en Barcelona en 2023.

Biografía

Desde la orilla de Mallorca, Villaronga creció rodeado de memorias de una familia humilde de feriantes que vendían bolsos de piel en mercados ambulantes. Su abuela falleció de tuberculosis en un hospital de Tarrasa, y esa mezcla de afectos y pérdidas le dejó una sensibilidad que luego atravesaría su cine. Su padre, quien había vivido la guerra de joven, encontró refugio en Palma como cartero, mientras una devoteda tía Lola lo criaba y le inculcaba una visión del mundo guiada por el arte y la disciplina. El cine, desde entonces, fue para él una forma de conversación con lo visual, una pasión que se forjó desde la infancia y que sería motor de su itinerario vital.

De niño ya dibujaba escenas y montajes imaginarios con linternas y cajas para proyectar relatos ante amigos y familiares. A los catorce años decidió que quería dirigir; esa decisión temprana le llevó a escribir a Roberto Rossellini con la idea de ingresar en su escuela de cine en Roma. La respuesta fue desalentadora: primero debía completar estudios universitarios. Así, terminó la enseñanza en el colegio jesuita Montesión y, ya en la adolescencia, se trasladó a Barcelona para estudiar Geografía e Historia, titulándose en esas materias y descubriendo un camino que entrelazaría ciencias sociales con artes visuales.

En la urbe condensa su entrenamiento observando al mínimo detalle la realidad y, pronto, conoce a Víctor García, con quien se une a la colectivo de Núria Espert. Juntos recorren buena parte de Europa y América representando obras de teatro como Yerma, de García Lorca. A su regreso continúa sus estudios y, al volver a la industria, interviene en varias cintas y entra en contacto con Pepón Coromina, un productor que lo introduce al vestuario de La plaza del diamante. Es el inicio de una senda en la que irá hilando cine con un aprendizaje práctico y constante junto a técnicos y artistas que conocía en cada rodaje. A partir de ahí, comenzó a enlazar proyectos y a asentar un oficio que fusionaba la dirección, la dirección artística y la creación visual.

Antes de estrenarse como director, ejerció como profesor de Imagen, trabajó como director artístico, decorador y estilista, y también realizó videoclips de moda. Todo ello sirvió de trampolín para rodar sus primeros cortometrajes: Anta mujer (1976), Laberint (1980) y Al Mayurka (1980). Con esa base, en 1987 reunió el equipo y los recursos necesarios para dar forma a su ópera prima, Tras el cristal, una película que fue seleccionada para el prestigioso Festival de Berlín y que le abrió las puertas de un cine más personal y arriesgado.

Con el impulso de ese debut, Tras el cristal fue la puerta de entrada para El niño de la luna (1989). Producida por Julián Mateos y Maribel Martín, esta obra sorprendió y dividió a la crítica y al público; obtuvo el Premio Goya a la mejor escritura de guion y fue nominada en otras categorías, aunque también generó싸 una controversia significativa respecto a su puesta en escena y su enfoque temático. Su recepción en el circuito internacional terminó por convertirlo en un referente de un cine que no temía desafiar la norma, incluso cuando la recepción no fue unánime.

En los años siguientes, Villaronga dio un giro importante al abandonar la ficción por un periodo corto para explorar un documental histórico que abordaba las artes islámicas en España, producido por Sogetel y el MoMA de Nueva York. Este paréntesis le sirvió para regresar con una voz aún más afinada y una curiosidad por los límites formales que lo mantendrían activo durante la década de los noventa. Aun así, el deseo de adaptar La mort de primavera, de Mercè Rodoreda, quedó pendiente durante mucho tiempo y terminó no materializándose, en parte por las dificultades para obtener apoyos y por la necesidad de encontrar un formato que respaldara la visión personal del director.

Durante ese periodo, aceptó encargos ajenos que lo alejaron, temporalmente, de su propia voz. Uno de ellos fue El pasajero clandestino, una adaptación de una novela de Georges Simenon para Massa d'Or Produccions, Tornasol Films y Arte, que mostró un enfoque distinto en su narrativa. No obstante, no renunció a su proyecto de autoría y, poco después, regresó con el filme 99.9 (1997), una obra que trasladó a la pantalla la colaboración con el poeta mallorquín Biel Mesquida y que, con la participación de Terele Pávez, recorrió varios mercados y festivales internacionales, dejando su impronta en lugares como Montreal, Toronto y Roma, entre otros. La película recibió reconocimientos múltiples y fortaleció su reputación como creador capaz de cruzar géneros y formatos con fluidez.

El cambio de siglo lo encontró trabajando en El mar (2000), una película que consolidó su proyecto como autor y que estuvo concebida a partir de una novela de Blai Bonet. Es, en palabras de muchos, una de las obras que mejor articulan su visión de memoria y existencia, y fue presentada en el Festival de Berlín, donde recibió elogios y una nominación destacada para el premio mayor. Este período también le reportó un reconocimiento internacional por su innovación y su capacidad para proponer lenguajes híbridos, reconocidos por un jurado que apreciaba su audacia estética.

A lo largo de 2001, Villaronga recibió el Premio Nacional de Cine de Cataluña, un hito que celebró su aportación al cine regional y la ampliación de su influencia a nivel nacional. Dos años después, colaboró en un proyecto colectivo, Aro Tolbukhin: en la mente del asesino, co-dirigiendo junto a Isaac P. Racine y Lydia Zimmermann. Este documental-falso ensayo, que juega con formatos y géneros, recibió el Premio Ariel a la mejor escritura original y fue nominado en categorías como mejor película y mejor dirección, consolidando su faceta experimental en el lenguaje cinematográfico.

En el año 2007, se alejó de la ficción para adaptar una obra teatral para televisión, Después de la lluvia, una propuesta que recibió una acogida sólida, aunque no tan destacada como sus proyectos de mayor riesgo. Este periodo también dejó en el tintero varias ideas como La mort de primavera, Bárbaros de Occidente y La Giganta, proyectos frustrados o condicionados por dificultades financieras o logísticas, que a la postre subrayaron los altibajos de una carrera marcada por la búsqueda de voz propia y por la defensa de un cine que explora la oscuridad y la complejidad humana.

En 2010 vio la luz Pan negro, una adaptación de Pa negre, ambientada en los años cuarenta y centrada en la infancia y la adolescencia de un muchacho que vive una época de sombras y de crecimiento moral. El filme recibió un reconocimiento contundente en el Festival de San Sebastián, y Nora Navas obtuvo la Concha de Plata a la mejor actriz; la película, además, cosechó nueve Premios Goya, incluido el de Mejor Dirección, elevando a Villaronga como una de las voces más personales y consistentes del cine español contemporáneo.

La trayectoria de Villaronga continuó en 2011 con el Premio Nacional de Cinematografía, un reconocimiento que subrayó la totalidad de su trayectoria. Al año siguiente, su trayectoria fue homenajeada en distintos escenarios y recibió distinciones de tribunas internacionales, como los premios de Bilbao y un reconocimiento en Nueva York por parte de la industria y la crítica. En este tramo, varios festivales y entidades destacaron su influencia y su contribución a la renovación de la mirada cinematográfica española.

Los años siguientes estuvieron marcados por un reconocimiento sostenido a su obra, con homenajes y galardones que consolidaron su estatus de autor imprescindible. Entre 2010 y 2012 recibió distinciones de festivales especializados, como el Gay-Lesbo y Trans de Bilbao y reconocimientos en circuitos iberoamericanos, además de un legado que se extendía a través de la crítica y de las nuevas generaciones de cineastas que citaban su nombre como referencia. En 2023, falleció en Barcelona a los sesenta y nueve años, dejando tras de sí una filmografía que continúa inspirando a quienes buscan una mirada valiente sobre la memoria, la ética y la identidad. Poco después, se estrenó póstumamente Loli Tormenta, una obra que completaba su mirada hacia lo fantasioso y lo transgresor, según la valoración de la crítica y del público más fiel.

Filmografía

• Anta mujer (cortometraje, 1976) – primer acercamiento a su lenguaje personal y experimental.
• Laberint (cortometraje, 1980) – exploración de estructuras narrativas y visuales que anticipan su tono posterior.
• Al Mayurka (cortometraje, 1980) – otro eslabón de su aprendizaje cinematográfico.
• Tras el cristal (1987) – ópera prima que marcó su estilo y le dio visibilidad internacional.
• El niño de la luna (1989) – título que desbordó miradas y que le valió un reconocimiento importante.
• Documental Al-Andalus: las artes islámicas en España (1992) – incursión en la no ficción para ampliar su marco temporal.
• El pasajero clandestino (1995) – encargo ajeno que acercó su mirada a una narrativa clásica.
• 99.9 (1997) – ficción de regreso con una puesta en escena que invitaba a mirar de otro modo.
• El mar (2000) – obra en la que volvió a afirmarse como autor de autoría plena, basada en una novela de Blai Bonet.
• Aro Tolbukhin: en la mente del asesino (2002) – documental-falso, experimento formal y juego con el lenguaje.
• Después de la lluvia (telefilme, 2007) – adaptación teatral para televisión.
• Pan negro (2010) – murmullo histórico y moral en el marco de la posguerra, que recibió reconocimiento internacional.
• Loli Tormenta (obra póstuma, estrenada tras su muerte) – cierre de un ciclo con la mirada que lo caracterizó.

Premios y candidaturas

• Premio Goya a la mejor escritura por El niño de la luna, con nominaciones a dirección y mejor película.
• Premio Manfred Salzgeber por innovación en El mar (Berlín), símbolo de su trayectoria arriesgada y creativa.
• Premio Nacional de Cine de Cataluña (2001) – reconocimiento a su aporte a la industria regional y española.
• Premio Ariel al mejor guion original por Aro Tolbukhin: en la mente del asesino, y nominaciones en las categorías de mejor película y mejor dirección.
• Concha de Plata a la mejor actriz para Nora Navas en Pan negro, junto con nueve Premios Goya para la película.

Festivales de cine

• Con presencia sostenida en el Festival de Cannes gracias a El niño de la luna, que le dio visibilidad internacional y la posibilidad de dialogar con audiencias de varias latitudes.
• Participación destacada en el Festival de Berlín> con varias de sus obras, incluyendo la primera y la posterior consolidación de su voz de autor.
• Proyecciones y reconocimientos en festivales como Montreal, Toronto, Roma, Sitges, La Habana y el Fantafestival, donde obtuvo distintivos y menciones que reforzaron su presencia en el circuito internacional.
• San Sebastián acogió el estreno de Pan negro, con una ovación de crítica y público que subrayó la madurez de su enfoque temático y formal.

Legado y claves de su obra

Villaronga dejó una estela de cine profundamente personal, que no rehuyó temas difíciles y que, al mismo tiempo, exploró las posibilidades del lenguaje para describir realidades complejas. Su capacidad para combinar investigación histórica, memoria familiar y una estética contundente convirtió su filmografía en un mapa de riesgos creativos y resultados que invitan a la reflexión. Su trayectoria demuestra que el cine puede ser una herramienta de indagación ética, de descubrimiento sensorial y de compromiso con las preguntas que atraviesan a la sociedad.

Tránsito y memoria

La muerte de Agustí Villaronga en la ciudad de Barcelona dejó un vacío en el cine español, pero también un corpus que continúa enseñando a nuevas generaciones a mirar con rigor, paciencia y una voz que no teme desafiar las convenciones. Su obra póstuma, Loli Tormenta, se ha visto como un último recordatorio de su interés por lo imposible y por la posibilidad de hallar belleza incluso cuando el mundo parece contener sombras. Su legado permanece vivo a través de sus películas y de quienes aprendieron de su disciplina y su curiosidad.