David Hockney

David Hockney nació en Bradford el 9 de julio de 1937 y se convirtió en una de las figuras más influyentes de la pintura británica del siglo XX y XXI. Pintor, diseñador, escenógrafo, grabador y fotógrafo, su abanico de intereses lo llevó a moverse entre viviendas en la costa de Yorkshire y un acento londinense que se hizo habitual. A lo largo de décadas mantuvo dos residencias en California y una oficina en West Hollywood, expandiendo su mirada al color, la forma y la tecnología sin perder la curiosidad por la experiencia sensible.

David Hockney nació en Bradford el 9 de julio de 1937 y se convirtió en una de las figuras más influyentes de la pintura británica del siglo XX y XXI. Pintor, diseñador, escenógrafo, grabador y fotógrafo, su abanico de intereses lo llevó a moverse entre viviendas en la costa de Yorkshire y un acento londinense que se hizo habitual. A lo largo de décadas mantuvo dos residencias en California y una oficina en West Hollywood, expandiendo su mirada al color, la forma y la tecnología sin perder la curiosidad por la experiencia sensible.

Biografía

Hockney fue el menor de cinco hijos de una familia que le transmitió una ética de trabajo y una sensibilidad para observar que marcarían su trayectoria. Su padre, Mark, era un profesional que vivió tiempos de servicio militar y conflicto, y su madre, Laura, acompañó el desarrollo de un joven artista que ya desde temprano mostró un interés profundo por la representación y la experimentación.

Educación recibió sus primeros rudimentos en la escuela primaria de Wellington y luego transitó por el Bradford Grammar School, una formación que se complementó con estudios en la Universidad de Bradford de Arte y, posteriormente, en el Royal College of Art de Londres. Allí forjó vínculos con colegas que serían centrales en su generación, como R. B. Kitaj. En ese periodo se inscribió a la exposición de Jóvenes contemporáneos, una muestra que marcó para mucho la irrupción del Arte Pop británico, si bien su propia producción ya mostraba trazos de expresionismo y una búsqueda de identidad pictórica distinta. Su experiencia en la RCA estuvo cargada de tensión y determinación: cuando se le negó la graduación, respondió con un gesto de protesta que se convertiría en clave de su historia artística. El resultado fue un Diploma que, de una forma sorprendente, terminó otorgándosele tras una reevaluación motivada por su talento y por sus obras.

Vida en California ejerció una influencia determinante: una primera estancia dejó claro que el acrílico moderno y la precisión del acabado podían convertir la representación de piscinas en una experiencia casi realista, con colores plenos y superficies planas que desafiaban la convención. En 1964 se trasladó a Los Ángeles, volvió a Londres en 1968 y entre 1973 y 1975 residió en París. Más tarde regresó a la Costa Oeste en 1978 y estableció un hogar junto a un cañón, donde convirtió una casa en un estudio que se convirtió en centro de producción y experimentación. También poseía una casa de playa en Malibú que, años después, terminaría vendiéndose como una pieza más de su acervo.

Vida afectiva ha sido parte central de su obra y de su biografía personal. De hecho, ha vivido abiertamente su orientación sexual y ha explorado en retratos la experiencia del amor entre hombres, a veces con una mirada artística que contrasta con otros enfoques de retrato. Uno de los citados hitos de su producción temprana es su obra de 1961, que recibió interpretaciones en clave de intimidad afectiva, y que continúa resonando como una exploración de la cercanía y la complicidad. En la década de 1960, por medio de retratos y escenas privadas, se aproximó a la representación de relaciones entre parejas masculinas. En 1966-1967 conoció a Peter Schlesinger durante una etapa de docencia en la UCLA, quien posó para varias obras y se convirtió en un compañero cercano de trabajo.

Entre sus años más señalados figuró un trágico hecho: el 18 de marzo de 2013, Dominic Elliot, asistente de 23 años, falleció en el estudio de Bridlington debido a problemas de intoxicación por sustancias y alcohol. Este hecho dejó una huella en la vida laboral y personal de Hockney, que se vio obligado a analizar los límites de la intimidad y la ética en su taller.

Obra y enfoques

Generos y métodos Su trabajo abarca grabados, retratos y escenografía para teatro y ópera, con una sensibilidad que atraviesa diversas técnicas y formatos. Su visión se apoya en una idea sensorial: la sinestesia que, según su desarrollo, le permite percibir colores en respuesta a estímulos musicales. Aunque esa experiencia no siempre se traduce en las pinturas o fotografías, guía la elección cromática y la organización espacial en montajes escenográficos para óperas y ballets.

Retratos

Retratos ha sido una línea continua: a partir de 1968 realizó retratos de amigos, amantes y familiares tomando como base fotografías, y la presencia del artista parece insinuarse a través de la elección de perspectivas que sugieren el punto de vista del autor. Entre las personas representadas se cuentan familiares, colegas, diseñadores de moda y artistas cercanos, con repeticiones de motivos y sitters que permiten rastrear una evolución de la mirada y de la relación con el modelo. En el recorrido figuran nombres como Celia Birtwell y Ossie Clark, Henry Geldzahler y otros interlocutores del mundo cultural, así como amistades y amantes que aparecen en series y otros proyectos.

La llegada de la experiencia fotográfica a su práctica coincidió con su paso por California; las técnicas y el lenguaje visual se volvieron más audaces, y la pintura al óleo fue paulatinamente sustituida por la pintura acrílica, que permitía una textura más suave y un color de mayor brillo. A partir de entonces, varias series de retratos se gestionaron desde una mirada que alterna planos y perspectivas, como si el espectador pudiera desplazarse en el interior de cada escena.

La producción de retratos continuó con una lógica de revisita constante a algunos sujetos; se observan presencias repetidas de sus progenitores y de otras personalidades del mundo artístico, con un esquema de variaciones que abarca desde el retrato formal hasta escenas de interacción cotidiana que revelan diálogos entre personajes.

Colaboraciones y eventos En el periodo caliente de los años sesenta, el estudio de California fue un laboratorio para cruzar la pintura con fotografía y diseño; allí nació un hábito de reimaginar la visión del rostro y del cuerpo humano desde múltiples ángulos y momentos, lo que terminó por influir de manera decisiva en su aproximación a la narrativa visual de la retratística.

Pintura digital

Innovación tecnológica lo llevó a experimentar con herramientas informáticas dedicadas al diseño televisivo. Un software denominado Paintbox Quantel abrió la posibilidad de dibujar directamente en una pantalla, marcando un hito entre la pintura tradicional y la creación digital para la televisión. El resultado llevó a una pieza televisiva titulada Painting with Light, proyecto que dejó huellas en su manera de entender la pintura como un flujo de información visual accesible a través de la tecnología.

Los "joiners"

Joiners es el nombre con el que se conoce la técnica de ensamblaje de imágenes tomadas desde distintos puntos de vista. A comienzos de los años ochenta, Hockney comenzó a componer collages formados por fotografías: primero con impresiones Polaroid y luego con tiradas de 35 mm manipuladas en el proceso. El resultado fue una serie de fotomontajes que aprenden a capturar la percepción del espectador como si éste se moviera por el espacio. Entre las piezas iniciales destaca un retrato de su propia madre, y otras imágenes que combinan paisajes y retratos, como Kasmin 1982 y My Mother, Bolton Abbey, 1982. Esta exploración llevó a que el artista repensara la relación entre la distancia y el tiempo en la observación visual, acercándose al cubismo por la fragmentación y superposición de planos.

El origen de estos experimentos fue casi fortuito: Hockney observó que las lentes angulares distorsionaban las imágenes de forma poco atractiva para su método. En una escena de sala de estar en Los Ángeles, pegó varias fotografías Polaroid y descubrió una narrativa espacial: el espectador parecía caminar por la habitación. Este hallazgo lo llevó a dedicar años a la fotografía, aunque más tarde decidió volver a la pintura, para luego volver a la fotografía con conclusiones más maduras.

Trabajo tardío

Etapas tardías en su carrera incluyeron una colección de aguafuertes creada en 1976 en Atelier Crommelynck, cuyo título hace alusión a la poesía de Wallace Stevens y a Picasso. La suite evocaba The Man With The Blue Guitar y conectaba literatura, grabado y la tradición de artes gráficas europeas. En esa misma franja temporal participó en proyectos de ilustración para publicaciones de calidad y en encargos de portadas, como la edición francesa de la revista Vogue en 1985. A lo largo de estos años, la mirada cubista y la influencia de Picasso siguieron presentes, y la relación con Celia Birtwell reaparecía como un motivo de exploración a partir de perspectivas diagonales.

En diciembre de 1985 utilizó el Quantel Paintbox para dibujar en una pantalla de computadora, trasladando el lenguaje del grabado a un entorno digital. Este trabajo para la BBC mostró su capacidad de combinar técnicas analógicas y herramientas electrónicas en un formato de difusión pública. También en este periodo colaboró con la industria de las telecomunicaciones para crear imágenes que integraran su firma cromática.

Con la década de los noventa, Hockney retomó su relación con su tierra natal y dio pasos estratégicos para consolidar su presencia en Yorkshire. Regresos periódicos y una vida entre Yorkshire y la costa de California dieron lugar a proyectos que buscaban sintetizar paisaje, memoria y experiencia sensorial. En esa fase, la fotografía y la impresión se consolidaron como métodos de ensayo y registro de su proceso, y su equipo de trabajo creció con nuevas piezas y complejidad.

Durante la década siguiente, su actividad se diversificó: creó portadas para catálogos y revistas, diseñó cubiertas y páginas para ediciones internacionales, y mantuvo una ambición de abarcar escalas monumentales con series producidas a partir de múltiples lienzos. En 2007, la obra más grande de su carrera —un conjunto de jardines y árboles que cubrían una extensión de diecisiete por cuarenta pies— fue expuesta en la Royal Academy, generando un hito en la historia de la pintura moderna británica y tendiendo puentes entre lo íntimo y lo monumental.

En 2008, esa obra magna fue regalada a la Tate Gallery de Londres como un gesto de reconocimiento y de deseo de preservar una pieza que definiera la identidad nacional. A partir de 2009, se consolidó un uso intensivo de herramientas digitales como apoyo a la creación de retratos, bodegones y paisajes, además de compartir estas piezas con amigos y colaboradores a través de canales culturales.

Exhibiciones

Comienzos y grandes retrospectivas En 1963, con apenas 26 años, presenta su primer rastro de exposición personal, y para 1970 la Whitechapel Gallery de Londres alberga una retrospectiva de gran alcance. En 2004, el artista es incluido en la Bienal de Whitney, donde su trabajo funciona como una fuente de inspiración para varias generaciones de jóvenes creadores.

En 2006, la National Portrait Gallery de Londres organiza una de las muestras más extensas de su producción de retratos, con alrededor de 150 piezas que abarcan cinco décadas. El proyecto recibió la participación del propio Hockney en la curaduría y consolidó su papel como figura central en la escena británica. Posteriormente, en 2009, Kunsthalle Würth en Alemania recibió su muestra Just Nature, que reunió retratos, dibujos y grabados para un público internacional.

En 2012, la Royal Academy presentó A Bigger Picture, una exposición que reunió más de 150 obras de gran formato, centradas en paisajes y rutas arbóreas, con lienzos que iban desde óleos y acuarelas hasta trabajos realizados en iPad y otras plataformas digitales. La muestra viajó a Bilbao y Colonia, reforzando la presencia de Hockney en museos de renombre europeo. En 2013, la exposición David Hockney: Una Exhibición más Grande recorrió espacios como el M. H. de Young de San Francisco, y el recorrido incluyó piezas producidas a partir de 2002, incluidas retratos en Photoshop y escenas paisajísticas creadas en iPad.

Entre 2014 y 2015 se organizó la exposición Hockney, Printmaker, centrada en su trayectoria de grabado y su faceta de impresor. La muestra recorrió Dulwich Picture Gallery y The Bowes Museum, subrayando su proyección como artista integral. En 2017, el Museo Guggenheim de Bilbao presentó 82 retratos y una naturaleza muerta, una exposición que equilibró rostros célebres y retratos de personas anónimas para subrayar la universalidad de su mirada.

Colecciones

Presencia global La obra de Hockney se concentra especialmente en Salts Mill y Saltaire, cerca de su localidad natal. Su amistad con el escritor Christopher Isherwood dio forma a una de las colecciones privadas más relevantes del mundo; tras la muerte de Isherwood, Don Bachardy cedió la colección a la Fundación que acompaña la obra del artista. Diversas instituciones y museos de renombre albergan piezas suyas, entre las que se cuentan: Honolulu Museum of Art, Boston Museum of Fine Arts, National Gallery of Australia, Louisiana Museum of Modern Art, Art Institute of Chicago, National Portrait Gallery (Londres), Kennedy Museum of Art, Tate Gallery, J. Paul Getty Museum, Los Angeles County Museum of Art, Walker Art Center, Museo Metropolitano de Arte, MoMA de Nueva York, Nueva York; Centro Pompidou y otros, formando una red que abarca continentes enteros.

Distribución y prestigio La extensa presencia de Hockney en colecciones públicas y privadas ha sido una de las señas de su reconocimiento internacional. Su obra figura en grandes museos de Estados Unidos, Europa y Asia, lo que ha facilitado que su lenguaje visual dialoge con distintas tradiciones artísticas, desde el grabado hasta el paisaje digital. En paralelo, su labor como editor, coleccionista y mentor ha reforzado su influencia entre generaciones de artistas y coleccionistas.

Reconocimientos

Distinciones y condecoraciones En 1967 su pintura Pedro saliendo de la alberca de Nick recibió el John Moores Painting Prize, un reconocimiento significativo que consolidó su estatus en la escena británica. Aunque rechazó la caballería en 1990, más tarde aceptó el título de Orden de Mérito del Reino Unido en 2012. Estas decisiones reflejan un recorrido que combina prestigio institucional y una cierta independencia frente a las fórmulas de reconocimiento tradicional.

La Royal Photographic Society le otorgó la Medalla de Progreso en 1988 y, en 2003, recibió la Medalla Honoraria (HonFRPS) por su aportación importante al arte de la fotografía. en 1997 fue incluido en la Orden de los Compañeros de Honor y, en la categoría de Académico Real, ha sido reconocido como Royal Academician. En 2012, Isabel II lo integró a la Orden de Mérito del Reino Unido, una distinción reservada a un puñado de individuos cuyas aportaciones han marcado la cultura y la ciencia.

Impacto y valoración Reconocido por encuestas y reconocimientos de industria, Hockney ha sido descrito como una de las figuras más influyentes de la historia reciente de las artes británicas. En 2011, The Other Art Fair lo señaló como el artista más influyente de su tiempo en Gran Bretaña, una afirmación que subraya su capacidad de redefinir géneros y estrategias visuales.

Mercado del Arte

Relaciones con galerías y ventas emblemáticas Desde 1963 ha trabajado con John Kasmin y, posteriormente, con Annely Juda Fine Art en Londres, consolidando una red comercial internacional. Entre las ventas destacadas figuran El chapuzón, que alcanzó cifras de £2.6 millones en 2006, y una serie monumental titulada Un Gran Cañón más Grande, adquirida por la National Gallery of Australia por 4,6 millones de dólares. Otros hitos incluyen Beverly Hills Housewife (1966–67), vendido por 7,9 millones de dólares en Christie’s Nueva York en 2008, cifra que marcó un récord para el artista.

Gestión de legado El mercado de Hockney se ha visto favorecido por la consistencia de su firma, la diversidad de formatos que aborda y la reputación de sus galerías, que han promovido ventas destacadas y proyectos de gran formato a lo largo de décadas.

La fundación y las colecciones futuras En 2012, el artista decidió transferir a su fundación una parte significativa de su acervo, incluyendo importantes pinturas valoradas en cientos de millones de dólares, y aportó recursos para garantizar la operación de la institución. El plan es donar obras a grandes museos, entre ellos LACMA y Tate Modern, para asegurar que su legado permanezca accesible a públicos de todo el mundo.

La tesis Hockney-Falco

Una mirada histórica a la técnica En su obra televisiva y literaria de 2001, Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters, Hockney propone que maestros antiguos emplearon la cámara oscura para proyectar imágenes en superficies que luego serían copiadas en el lienzo. Afirma que estas tecnologías se difundieron desde Italia hacia el resto de Europa y explican, en su opinión, ciertos rasgos de la pintura renacentista y de períodos subsecuentes. El libro y las ideas que propone han generado debates entre historiadores, conservadores y artistas contemporáneos.

Vida pública

Compromisos y servicios El desarrollo de su vida pública está marcado por su experiencia como objetor de conciencia durante el servicio militar y por su labor como enfermero durante ese periodo. Más adelante fundó un museo en Los Ángeles que sería referencia para el arte contemporáneo y participó en foros culturales que buscaron ampliar el debate sobre las artes. Su involucramiento con revistas y fundaciones culturales ha sido constante, y ha aportado sketches y material de apoyo para proyectos editoriales y estratégicos de difusión.

Opiniones sociales y culturales Ha defendido el papel de las artes frente a recortes presupuestarios y ha participado en campañas públicas que promueven la creatividad en la vida cotidiana. En distintos momentos ha señalado la necesidad de sostener la inversión en cultura como un eje de desarrollo social, educativo y económico.

Cultura popular

Moda

Imaginario estético en la industria Su presencia ha trascendido el mundo de las artes: Burberry escogió su figura para inspirar una colección masculina en 2005, y Vivienne Westwood, amiga cercana, dedicó una prenda de vestir a su memoria en 2012. En los años recientes, la prensa de estilo lo ha nombrado entre las personalidades más elegantes de Gran Bretaña, y The Guardian lo incluyó en listas de vestimenta destacada entre los cincuenta años y más allá.

Filme

Representación cinematográfica La historia de Hockney ha tenido un tratamiento documental y ficcional: A Bigger Splash, realizada por Jack Hazan en 1974, toma como referencia la famosa escena de la alberca para construir una mirada sobre la vida del artista. Más recientemente, Waiting for Hockney (2008) de Billy Pappas aporta una mirada a la vigencia de su figura en la cultura popular, presentada en Tribeca.

Impreso

Publicaciones Su trayectoria ha sido objeto de numerosas publicaciones y biografías, entre ellas una edición que abarca su vida y obra desde 1937 hasta 1975 y que presenta al artista desde la perspectiva de un escritor y fotógrafo. Estas obras han servido para difundir su método de trabajo y su evolución técnica, al igual que para documentar hitos de su carrera.

Radio

Programas y difusión En agosto de 2012, la BBC dedicó un episodio de The New Elizabethans a Hockney, presentado por James Naughtie, que destacó su impacto en la cultura británica. Ese año también salieron a la luz archivos de encargos realizados durante un viaje a Egipto en 1963, que habían permanecido ocultos por circunstancias históricas.

Televisión

Influencias en la cultura popular En la ficción televisiva de Los Soprano, un personaje comenta una alberca que recuerda al trabajo de Hockney, mientras que en la serie BoJack Horseman aparece un objeto que remite al retrato de un artista que se contempla a sí mismo frente a una piscina, un guiño que evidencia la huella de su iconografía en la cultura contemporánea.

La fundación David Hockney

Gestión de su legado En 2012 el artista movilizó un volumen importante de sus obras hacia su propia fundación, acompañando la cesión con una contribución monetaria para sostener las operaciones de la institución. El objetivo declarado es distribuir su colección a museos de renombre mundial, permitiendo que futuras generaciones accedan a su trabajo a través de instituciones que puedan albergar grandes colecciones y preparar exposiciones de referencia.

Libros de Hockney

• 72 Drawings (1971), Jonathan Cape, Londres
• David Hockney (1976), Thames and Hudson, Londres
• Travels with Pen, Pencil and Ink (1978), Petersburg Press, Nueva York
• Pictures by David Hockney (ed. Nikos Stangos) (1979), Thames and Hudson, Londres
• Blue Guitar: Etchings by David Hockney Who Was Inspired by Wallace Stevens Who Was Inspired by Pablo Picasso (1977), Petersburg Press
• Photographs (1982), Petersburg Press
• Hockney's Photographs (1983), Arts Council of Great Britain
• Martha's Vineyard and other places (1985), Thames and Hudson
• David Hockney: Faces 1966–1984 (1987), Thames and Hudson
• Hockney's Alphabet (con Stephen Spender) (1991), Random House
• David Hockney: Some Very New Paintings (1993), William Hardie Gallery
• Off the Wall: A Collection of David Hockney's Posters 1987–94 (1994), Pavilion Books
• Hockney's Pictures (2006), Thames and Hudson
• David Hockney: Poster Art (1995), Chronicle Books
• That's the Way I See It (con Nikos Stangos) (1989), Thames and Hudson
• Secret Knowledge: Rediscovering the lost techniques of the Old Masters (2006), Thames and Hudson
• Hockney On Art: Conversations with Paul Joyce (2008), Little, Brown and Company
• David Hockney's Dog Days (2011), Thames and Hudson
• A Yorkshire Sketchbook (2011), Royal Academy