Domenico Scarlatti

Domenico Scarlatti fue una figura decisiva en la transición entre el barroco y una sensibilidad más cercana al clasicismo, cuyo vínculo principal estuvo en España. Su vida itinerante lo llevó desde su Nápoles natal hasta las cortes ibéricas, dejando una huella indeleble en la música para clave y en la manera de entender la danza y la armonía en el teclado. Su nombre, asociado a un outero de sonoridades innovadoras, sintetiza una trayectoria ejemplar de creatividad y oficio.

Domenico Scarlatti fue una figura decisiva en la transición entre el barroco y una sensibilidad más cercana al clasicismo, cuyo vínculo principal estuvo en España. Su vida itinerante lo llevó desde su Nápoles natal hasta las cortes ibéricas, dejando una huella indeleble en la música para clave y en la manera de entender la danza y la armonía en el teclado. Su nombre, asociado a un outero de sonoridades innovadoras, sintetiza una trayectoria ejemplar de creatividad y oficio.

Vida y formación

En Nápoles, ciudad que entonces formaba parte del Virreinato, nació Domenico Scarlatti el 26 de octubre de 1685, sexto de diez hermanos y hermano menor de otro músico, Pietro Filippo Scarlatti. Su educación musical arrancó bajo la tutela de su padre, el respetado Alessandro Scarlatti, y no es descartable que entre sus maestros hubieran estado Gaetano Greco, Francesco Gasparini y Bernardo Pasquini, cuyas influencias marcaron su desarrollo estilístico.

Con apenas dieciséis años ya ejercía como organista y músico de la capilla real de la Corte Española en Nápoles; ese inicio delineó una carrera que combinaría funciones litúrgicas, creación operística y una profunda experimentación instrumental. En 1704 llevó a escena una revisión de la ópera Irene de Carlo Francesco Pollarolo, encargándose de adaptar la obra para el entorno napolitano. Poco después su padre lo envió a Venecia, pero los fundamentos de esos cuatro años venían envueltos en silencio; no se conservan testimonios detallados sobre aquella etapa.

En 1709 dio un nuevo giro a su trayectoria al trasladarse a Roma para atender a la reina María Casimira, quien vivía en el exilio. En la Ciudad Eterna entabló amistad con Silvius Leopold Weiss y, según algunas crónicas, con Thomas Roseingrave, quienes ayudarían a difundir su fama entre los círculos londinenses. Scarlatti ya destacaba como un privilegiado clavecinista, y la opinión popular de la época situaba sus aptitudes ante Händel en ciertos contextos, especialmente en el teclado, sin diferir en el dominio del órgano.

Durante su estancia romana compuso varias óperas para el teatro privado de la reina Casimira. En el periodo comprendido entre 1715 y 1719 ejerció como maestro de capilla en la Basílica de San Pedro, y en 1719 se trasladó a Londres para ponerse al frente de la ópera Narciso en el King’s Theatre, un proyecto que mostró su desbordante creatividad escénica.

Experiencia y aportes en la Península Ibérica

Entre 1720 y 1721 emprendió un viaje a Lisboa, donde impartió enseñanza musical a la princesa Bárbara de Braganza, consolidando así su presencia en la esfera cortesana de Portugal. Regresó a Nápoles en 1725 y, durante una estancia en Roma en 1728, contrajo matrimonio con Maria Caterina Gentili. En 1729 aceptó una nueva dirección de su carrera al acompañar a la comitiva de la princesa Bárbara hacia Sevilla, en el marco de la preparación para el enlace de la princesa con el heredero al trono de España. Es probable que allí asimilara aires de la música popular andaluza.

En 1733 fijó su residencia en Madrid, al servicio de Bárbara de Braganza, y allí permanecería hasta su muerte. En 1738 fue distinguido con la Orden de Santiago por João V, reconocimiento que adicionó un matiz de prosapia a su figura. Tras el fallecimiento de su primera esposa en 1742, contrajo matrimonio con una dama española, Anastasia Maxarti Ximenes, y, con ella, procreó cinco hijos.

Obra y estilo: clave de su grandeza

Durante su vida, apenas una parte de su producción fue publicada; no obstante, parece haber supervisado personalmente la edición de su colección más célebre en 1738, una antología de sonatas para teclado bautizada Essercizi per gravicembalo, que recibió un entusiasmo notable por Charles Burney, el crítico y musicólogo de la época. Aun hoy, gran parte de su repertorio interpretado en recitales se sustenta en esa serie de ejercicios.

En total, se conservan 555 sonatas bipartitas, cada una concebida para un único movimiento que se reparte en dos secciones casi idénticas y que se repiten. Este conjunto revela una sorprendente diversidad de recursos expresivos y una invención formal audaz, capaz de explotar las posibilidades del clave como instrumento de cámara. Aunque a primera vista su escritura parezca clara y asequible, la ejecución exige una maestría técnica notable: cambios de mano avanzados, saltos de octavas y arpegios velocísimos que mantienen al intérprete en tensión constante.

Una de las notas más distintivas de su lenguaje es la incorporación de ritmos y giros de origen hispanoárabe, así como un uso arriesgado de la modulación y de variación de la tónica que confiere a sus piezas una tensión casi dramática. Estas sonatas suelen atravesar modos poco convencionales, con un vocabulario armónico que a veces parece anticipar horizontes clásicos y, a la vez, adelantar ciertos rasgos del Romanticismo en su espíritu inquisitivo y su búsqueda de expresión sin concesiones.

La influencia de su enfoque artístico y técnico traspasó generaciones y geografías. Apreciadores de distintas épocas —desde Manuel de Falla hasta Béla Bartók, pasando por intérpretes como Arturo Benedetti Michelangeli, Marc-André Hamelin o Vladimir Horowitz— han visto en Scarlatti un precursor de la tradición pianística moderna. En Estados Unidos, Scott Ross llevó a cabo la grabación completa de sus sonatas bipartitas para la casa Erato, un hito que consagró su figura y difundió su catálogo entre públicos más amplios.

Las sonatas: estructura, técnica y lenguaje

Las sonatas de Scarlatti comparten una estructura interna muy marcada. Se organizan en forma binaria de dos partes de casi igual duración, previstas para ser repetidas; la primera suele cerrar en la nota dominante y la segunda concluye en la tónica, con cadencias que mantienen una simetría entre secciones. Aunque esta disposición básica se mantiene constante, el compositor introdujo pocas innovaciones formales, prefiriendo enriquecer el contenido musical a través de motivos y recursos rítmicos.

La grandeza de su producción radica en la abundancia de ideas, la capacidad de convertir el teclado en una paleta de recursos variadísimos y la destreza con la que aprovecha las posibilidades del instrumento. En sus obras se aprecia un dominio técnico extraordinario, que se traduce en desafíos como cruces de manos, saltos de octava y rápidas escalas y arpegios. Sin embargo, la claridad de la escritura no masquería una dificultad que exige del intérprete una ejecución precisa y sensible.

El legado de Scarlatti se sostiene en una constante exploración de la sonoridad, la forma y la imaginación, que hizo que, incluso en su época, se lo viera como un innovador que rompía con algunas convenciones del repertorio de su tiempo. Su musicografía, compacta pero de una densidad enorme, sigue inspirando a intérpretes y compositores que buscan un puente entre la tradición y la modernidad.

• Influencia de la música folclórica: la música popular de la Península Ibérica dejó una marca evidente en su uso de modalidades y en cadencias que evocan lo andaluz, así como en la manera de simular la sonoridad de la guitarra a través del teclado. Esta huella le da un carácter único dentro de la tradición continental.
• Vínculos con la evolución musical: su obra anticipa rasgos formales que más tarde se asociarían con el clasicismo, y, por ello, aparece a veces como un antecedente de la estética clásica. Su audacia armónica y su flexibilidad estructural anticipan tendencias que florecerían décadas después.
• Ritmo y arquitectura sonora: la mezcla de impulso rítmico, variaciones temáticas y un manejo intenso de la textura musical permiten que cada sonata funcione como una pequeña microdrama sonoro, donde la tensión no resuelta a menudo dirige la experiencia del oyente hacia una resolución elegante y contundente.

La vida de Scarlatti, además de su obra, ha sido motivo de interés para generaciones de estudiosos y pianistas. Su figura, cercana a la melancolía de la España de su tiempo y a la sofisticación de las cortes europeas, representa un punto de encuentro entre culturas y una manifestación de la creatividad que transforma el repertorio para teclado. En ese sentido, su legado se entiende no solo como un conjunto de piezas, sino como una escuela que abrió caminos para la escritura musical en el siglo XVIII y más allá.