Mark Bradford

Mark Bradford, nacido el 20 de noviembre de 1961, es un artista visual estadounidense cuyas prácticas abarcan pintura, video, grabado e instalación. Reside y trabaja en Los Ángeles, donde también llevó a cabo sus estudios en el California Institute of the Arts. Conocido por sus pinturas abstractas formadas a partir de collages, su obra ha viajado por escenarios internacionales y ha sido designada para representar a Estados Unidos en la Venice Biennale de 2017. En 2021 fue incluido en la lista de las 100 personas más influyentes elaborada por Time.

Mark Bradford, nacido el 20 de noviembre de 1961, es un artista visual estadounidense cuyas prácticas abarcan pintura, video, grabado e instalación. Reside y trabaja en Los Ángeles, donde también llevó a cabo sus estudios en el California Institute of the Arts. Conocido por sus pinturas abstractas formadas a partir de collages, su obra ha viajado por escenarios internacionales y ha sido designada para representar a Estados Unidos en la Venice Biennale de 2017. En 2021 fue incluido en la lista de las 100 personas más influyentes elaborada por Time.

Orígenes y formación

Creció y se formó en contextos que combinaban la realidad urbana con oportunidades limitadas, especialmente en el sur de Los Ángeles. Su madre gestionaba un salón de belleza en el vecindario de Leimert Park, un paisaje que más tarde volvería frecuente en su investigación visual. Cuando tenía once años, él y su familia se mudaron a un barrio predominantemente blanco en Santa Monica, aunque la costumbre familiar le llevó a colaborar puntualmente en el negocio familiar. Tras completar la educación secundaria, obtuvo la licencia de peluquero y trabajó en el salón materno.

Inició su formación académica en Santa Monica College y luego se trasladó al California Institute of the Arts, donde culminó sus estudios en 1991. Más adelante completó un BFA en 1995 y un MFA en 1997, impulsando una trayectoria que combinaría inquietudes social-políticas con procedimientos artísticos experimentales.

Enfoque y proceso creativo

Bradford es reconocido por pinturas abstractas que busca su estructura en una cuadrícula, fusionando el collage con la pintura. Sus obras nacen a partir de capas de papel y cuerda que él interviene con herramientas diversas para tallar, rasgar, deshilachar y reensamblar, empleando técnicas que van desde el desbastado hasta la limpieza de la superficie con agua a presión y lijado. En su investigación, ha reunido una colección de carteles comerciales que anunciaban servicios en distintos barrios, objetos que luego integró de forma crítica en su trabajo.

Desde una perspectiva sociopolítica, su obra también aborda la identidad y la masculinidad, incluyendo perspectivas derivadas de su experiencia como hombre homosexual. Esta dimensión personal se ve reflejada en la tensión entre fantasía y realidad social que atraviesa varias de sus piezas.

Obras y enfoques relevantes

Entre sus creaciones más citadas se cuentan series que dialogan con episodios históricos negros y con futuros posibles de la ciudad. Por ejemplo, trabajos comisionados y revisados a lo largo de los años muestran un interés persistente por la memoria colectiva y la violencia estructural, así como por las respuestas visuales ante catástrofes urbanas y desbordes sociales. Su aproximación a la historia reciente de Estados Unidos se manifiesta no solo en el tema, sino en la forma misma de construir la imagen.

Obras notables

En 2006 pintó piezas como Scorched Earth y Black Wall Street, inspiradas en la masacre racial de Tulsa de 1921. Posteriormente, exploró esa herencia en una nueva obra de 2021 titulada Tulsa Gottdamn para conmemorar el centenario del hecho. La obra Orbit (2007) presenta una imagen de una cancha de baloncesto incrustada en una densísima malla de calles de Los Ángeles, resultado de procesos de collage y decollage que, junto con capas de pintura, evocan una vista aérea de una ciudad que parece desmoronarse. ¿Es la promesa de éxito que sugiere el baloncesto una señal de esperanza o, quizá, una ilusión de salida fácil de la realidad urbana?

Otra pieza de gran formato es A Truly Rich Man is One Whose Children Run into His Arms Even When His Hands Are Empty (2008), de casi 9×9 pies, que Maxwell Heller describe como un paisaje de parabrisas carbonizados por disturbios—un registro táctil que invita a examinar el proceso artesanal detrás de cada fragmento de material encontrado. Su sensibilidad se aprecia en la forma meticulosa de cortar, lijar y pegar; cada recorte revela capas de experiencia y memoria.

Instalaciones y experiencias audiovisuales

Bradford no se limita a la pintura; su práctica se extiende al vídeo, a la impresión y a la instalación. Una de sus instalaciones destacadas, Mithra (2008), fue un arca de madera recuperada para Prospect New Orleans, concebida para una muestra que conmemora el Huracán Katrina. En esa misma época creó una intervención inspirada por Katrina sobre el techo de una galería cercana al Los Angeles County Museum of Art, que fue presentada de nuevo en otros contextos expositivos, como la Carnegie International.

En 2012 participó como narrador en la banda sonora de Framework, un dúo de danza site-specific dirigido por Benjamin Millepied, mostrado en la exposición The Painting Factory: Abstraction after Warhol, en el Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Para la exposición MATRIX 172 del Wadsworth Atheneum, en 2015, creó Pull Painting 1, una intervención mural que respondía al muro a lo largo de 60 pies de longitud mediante capas densas de papel, pintura y cuerdas, deshilando y despegando para revelar una textura intensa.

También aquel año presentó Waterfall, una pieza que forma parte de la muestra Be Strong Boquan en Hauser & Wirth, donde emergen restos de papel y cuerdas a partir de una pintura de extracción, produciendo una arquitectura de fibras que parecen habitar la memoria de la superficie. En 2017 llevó a cabo We The People, una gran pintura de 32 paneles para la embajada de Estados Unidos en Londres, una instalación que traza fragmentos y artículos de la Constitución en un lienzo de muro entero del vestíbulo.

Comisiones de gran formato

En 2014, Bradford creó Bell Tower para la Terminal Tom Bradley del Aeropuerto Internacional de Los Ángeles, una obra monumental de madera cubierta con papel impreso a todo color que rememora el aspecto de las tablillas de madera cubiertas con anuncios que han inspirado su trayectoria. Un año después presentó Elgin Gardens para 1221 Avenue of the Americas, en el Rockefeller Center, Nueva York, una intervención que dialoga con la escala y la función de un espacio corporativo.

En noviembre de 2017, Bradford debutó Pickett's Charge, un gran cyclorama encargado por el Smithsonian en la Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D.C. Basado directamente en el Gettysburg Cyclorama, la pieza de 400 pies lineales de pared figura la carga de Pickett durante la Guerra Civil. También ese año presentó We The People en la embajada de Estados Unidos en Londres, donde el conjunto de 32 lienzos forma una pieza unificada que recorre todo un muro del vestíbulo.

En diciembre de 2018, se inauguró What Hath God Wrought, una obra de la Stuart Collection en la University of California, San Diego, de 195 pies de altura, que aborda la influencia de la tecnología en la comunicación. El proyecto se sostiene sobre una lectura crítica de la época contemporánea y de su infraestructura social.

Otros proyectos y colaboraciones

En 2009, el Getty Museum invitó a Bradford a dirigir un proyecto con su departamento educativo, orientando su foco hacia docentes más que estudiantes y reuniendo a diez artistas para colaborar en planes de enseñanza para el nivel K–12. En 2013, Project Hermés, instalado en una residencia privada en La Jolla, permaneció abierto al público por un solo día antes de su demolición.

Durante la Venice Biennale de 2017, Bradford inició una colaboración de seis años con la cooperativa social veneciana Rio Terà dei Pensieri, que ofrece empleo a hombres y mujeres encarcelados, con el fin de generar productos artesanales y facilitar su reinserción. La primera manifestación de la colaboración se abrió en una tienda ubicada en San Polo 2599a, en el corazón de Venecia.

En octubre de 2018, su obra Here apareció en la programación de la boda de la Princesa Eugenie de York, donde también adornó las serpentinas de las damas de honor y pajes. En 2019, con motivo de Frieze Art Fair en Los Ángeles, creó Life Size, una imagen de una cámara corporal policial cuyo beneficio se destinó al Art for Justice Fund de Agnes Gund, para impulsar oportunidades profesionales para personas que están reintegrándose a la sociedad. Bradford fue el primer artista en colaborar directamente con ese fondo mediante las ventas de su obra, alcanzando una recaudación superior a un millón de dólares.

Durante 2020, colaboró con Snap Inc. para desarrollar un lente en la aplicación que promoviera el registro de votantes entre jóvenes de 18 a 24 años. Ese mismo año, para el Modern Art Museum of Fort Worth, organizó Modern Billings, un conjunto de vallas publicitarias que llevó imágenes de Mr. LaMarr, peluquero de la era previa, a un público fuera de la institución. La iniciativa buscó insertar el arte directamente en comunidades ajenas al circuito museístico tradicional.

Entre otras iniciativas, llevó a cabo residencias educativas en Menorca junto a la Escola d’Art de Menorca, vinculadas a su exposición Masses & Movements, y colaboró con PILA Global para programas educativos centrados en familias desplazadas y en situación de pobreza, con un foco en rutas migratorias y mapas del mundo.

Art + Practice

En 2013, junto a la filántropa Eileen Harris Norton y el activista comunitario Allan DiCastro, Surgió Art + Practice, una organización situada en Leimert Park que promueve la participación artística en la comunidad. Además de su misión cultural, la entidad apoya a jóvenes de 18 a 24 años que egresan de guarda o crianza temporal, colaborando con First Place for Youth para ampliar su desarrollo personal y profesional. Bradford, DiCastro y Norton, residentes de South Los Angeles, buscaron convertir el arte en un motor de transformación social mediante un programa de aprendizaje práctico y expresión creativa.

Exposiciones y presencia expositiva

Desde 1998, Bradford ha celebrado exposiciones significativas en espacios críticos de California y más allá. Su muestra Distribution en Deep River, una galería de Los Ángeles dirigida por Daniel Joseph Martínez y Glenn Kaino, marcó un hito inicial. En 2001, Thelma Golden incluyó en la exhibición Freestyle piezas que hacían alusión a su pasado profesional en peluquería, como Enter and Exit the New Negro y Dreadlocks Can't tell me shit, destacando la relación entre su oficio anterior y su lenguaje artístico actual. Así se fue forjando su itinerario de presencia en instituciones como el Wexner Center for the Arts, Royal Academy, MOCA San Diego, y múltiples ferias y museos destacados en Estados Unidos y Europa.

En 2014, The Rose Art Museum de Brandeis recibió The King’s Mirror, una gran colcha mural compuesta por 300 piezas individuales, montadas en contrachapado y expuestas por un año. En 2015, Tears of a Tree y otras series itineraron desde Shanghai a La Haya, consolidando su reconocimiento internacional. Ese mismo año, Scorched Earth inauguró su primera gran exposición individual en un museo de Los Ángeles, en el Hammer Museum, y luego viajó a The Broad.

La década siguiente amplió su presencia con proyectos ambiciosos: Tomorrow Is Another Day para la Bienal de Venecia; su llegada a Hong Kong para Hauser & Wirth, con una muestra que integró piezas nuevas y referencias a carteles comerciales recogidos en la calle; y, en su ciudad natal, su primera gran exhibición de más de quince años, Mark Bradford: New Works, en 2018. En esa misma ciudad, Baltimore y la Rose Art Museum organizaron re‑presentaciones de su proyecto y colaboraciones con comunidades locales para generar productos silkscreen que revertían en beneficios para centros comunitarios.

En 2019, Long Museum en Shanghái presentó Mark Bradford: Los Ángeles, la mayor exposición en China del artista, que incluía una escultura site-specific titulada Float y una serie de pinturas sobre los enfrentamientos de Watts de 1965; la exposición ofreció entrada gratuita para toda la ciudad durante su periodo. En 2020, Cerberus abrió en Londres en Hauser & Wirth, abriendo una nueva página de su exploración de grandes formatos y del cruce entre muralismo y pintura.

Reconocimientos y distinciones

La trayectoria de Bradford ha sido reconocida con múltiples becas y distinciones: Joan Mitchell Foundation Grant, Nancy Graves Foundation Grant, Louis Comfort Tiffany Foundation Award, United States Artists fellowship, Bucksbaum Award, MacArthur Fellows Program, Wexner Center Residency y otras distinciones que consolidan su estatus en el panorama internacional del arte. En 2013 fue elegido Academician Nacional por la National Academy Museum and School of Fine Arts, y en 2015 recibió la Medalla del Arte del Departamento de Estado de Estados Unidos. En 2016 obtuvo el David C. Driskell Prize del High Museum of Art, y en 2017 fue señalado como Innovador Artístico por WSJ en sus Innovator Awards.

El reconocimiento de su influencia llegó a la American Academy of Arts and Sciences en 2019 y, en 2021, a la American Academy of Arts and Letters, además de aparecer en Time como una de las 100 personas más influyentes. En años recientes, ha sido destacado por Los Ángeles Times como un creador que deja una huella notable en la ciudad, y en 2024 recibió la National Medal of Arts, uno de los honorarios más altos del país para las artes.

Mercado del arte

En el mercado, Bradford ha establecido récords significativos para un artista vivo de su generación. Constitution IV (2013), una obra mixta en collage, se vendió por cerca de 5,8 millones de dólares en una casa de subastas, seguido por la venta de Smear (2015) por aproximadamente 4,4 millones de dólares. En 2018, Helter Skelter I rompió records al venderse por 12 millones de dólares, marcando un hito para un artista africano estadounidense en el mercado de subastas y consolidando su posición dentro de las transacciones de alto valor y reconocimiento global.

En la cultura popular

En televisión, Bradford fue perfilado en 60 Minutes durante una entrevista con Anderson Cooper, difundida en mayo de 2019. En 2020, su labor recibió una cobertura destacada en la categoría de Artes, Cultura y Entretenimiento dentro de un Emmy de News & Documentary, subrayando su relevancia mediática y su capacidad de activar conversaciones públicas a través del arte.

Selección de obras y publicaciones

• Cornelia Butler y Katie Siegel, Mark Bradford: Scorched Earth, Hammer Museum, Los Ángeles, y Prestel, Nueva York, 2015
• Clara M. Kim, Larys Frogier y Doryun Chong, Mark Bradford: Tears of a Tree, Rockbund Art Museum, Shanghái, y Verlag für Moderne Kunst Nürnberg, 2015
• Christopher Bedford, Katy Siegel, Peter James Hudson, Anita Hill, Sarah Lewis y Zadie Smith, Mark Bradford: Tomorrow is Another Day, Gregory R. Miller, Nueva York, y American Pavilion, Venecia, 2017
• Stéphane Aquin y Evelyn Hankins, Mark Bradford, Yale University Press, Nueva Haven, 2018
• Anita Hill, Sebastian Smee, Cornelia Butler, Mark Bradford, Phaidon Press, Londres, 2018

La trayectoria de Mark Bradford se entiende como un mapa de estrategias que combinan lo artesanal con lo social y lo histórico. Desde sus inicios en Leimert Park hasta sus intervenciones públicas y sus colaboraciones con comunidades, su obra mantiene un diálogo continuo entre la experiencia de las ciudades y las posibles vías de representación de comunidades en transición. Su legado se asienta en una práctica que no solo produce imágenes, sino que propone modelos de participación y responsabilidad social para el mundo del arte.