Massimo Campigli

Massimo Campigli, nacido como Max Ihlenfeld el 4 de julio de 1895 y fallecido el 31 de mayo de 1971, fue una figura destacada de la pintura italiana que conjugó periodismo, círculos vanguardistas y una sensibilidad pictórica de raíces antiguas. Su trayectoria atravesó continentes y ciudades, dejó huellas en París y Milán, y dejó una obra que equilibra geometría, memoria histórica y una calma expresiva. Este texto propone un recorrido renovado por ese itinerario creativo, repleto de cambios, aprendizajes y hallazgos formativos.

Massimo Campigli, nacido como Max Ihlenfeld el 4 de julio de 1895 y fallecido el 31 de mayo de 1971, fue una figura destacada de la pintura italiana que conjugó periodismo, círculos vanguardistas y una sensibilidad pictórica de raíces antiguas. Su trayectoria atravesó continentes y ciudades, dejó huellas en París y Milán, y dejó una obra que equilibra geometría, memoria histórica y una calma expresiva. Este texto propone un recorrido renovado por ese itinerario creativo, repleto de cambios, aprendizajes y hallazgos formativos.

Biografía

Hijo de una familia de orígenes germánicos, Massimo Campigli vio la luz en Berlín y su niñez transcurrió entre la riqueza cultural de Florencia. En 1909 la familia se trasladó a Milán, donde el joven empezó a colaborar con la revista Letteratura, participando de círculos vanguardistas y entablando afinidades con figuras como Boccioni y Carrà. En 1914, la revista futurista Lacerba dio cabida a su prosa y a su visión, y durante la Primera Guerra Mundial fue tomado prisionero y enviado a Hungría, donde permaneció hasta 1918.

Con la contienda terminada, Campigli se instaló en París para ejercer como corresponsal extranjero de Corriere della Sera. Aunque ya había hecho dibujos en la época bélica, fue en la capital francesa donde emergió con fuerza como pintor. En el Café du Dôme compartió mesa con artistas de peso como Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Gino Severini y Filippo De Pisis. Las visitas al Louvre avivaron su curiosidad por el arte antiguo egipcio, una impronta que volvería a resonar a lo largo de su carrera.

Sus primeras obras figurativas respondían a una geometría aplicada a la figura humana, influencia de Pablo Picasso y Fernand Léger, con la impronta del Purismo y la búsqueda de una claridad estructural. En 1923 organizó su primera exposición individual en la Galería Bragaglia de Roma, y con el tiempo las figuras adquirieron una monumentalidad, con poses estilizadas y extremidades entrelazadas que sugerían una coherencia escultórica. Este impulso coincidió con un afán de orden y memoria, alineado con la agenda de reconstrucción posbélica y con el grupo de artistas del Progreso del siglo XX.

A partir de 1926 se integró a los Paris Italians, agrupación que compartía el entorno con de Chirico, De Pisis, Renato Paresce, Savinio, Severini y Mario Tozzi. En 1928 debutó en la Bienal de Venecia, y durante una visita a la colección etrusca del Museo Nacional Etrusco en Roma quedó fascinado por la sobriedad de esas raíces antiguas. Este descubrimiento le llevó a abandonar progresivamente la severidad de su lenguaje anterior, explorando una planitud más plana y formas esquemáticas cargadas de arcaísmo.

Durante su estancia en París trabajó en el Atelier 17, un periodo que le permitió renovar su técnica y ampliar su poética. En un viaje a Rumanía con su primera esposa, la pintora Magdalena Rădulescu, inició una nueva serie que retrataba a mujeres en tareas domésticas y labores agrícolas; las figuras se disponían de forma asimétrica y jerárquica, flotando sobre una superficie áspera reminiscentemente de un fresco antiguo. Estas piezas obtuvieron notable acogida en la galería Jeanne Bucher en París en 1929 y, poco después, en Milán en 1931.

En la década de 1930, Campigli consolidó una intensa actividad expositiva en Nueva York, París y Milán, lo que consolidó su proyección internacional y la valoración crítica de su obra. En 1933 regresó a Milán y participó en proyectos de gran envergadura, firmando el Manifiesto de Arte Mural de Mario Sironi y pintando un fresco para la exposición de madres y trabajadoras en el Trienal de Milán, obra que, posteriormente, fue destruida.

Entre 1937 y 1940 recibió encargos significativos: I costruttori para la League of Nations en Ginebra y el mural Non uccidere para los tribunales de Milan en 1938; además, elaboró un gran fresco de 300 metros cuadrados para la entrada del Liviano de Padua, diseñado por Gio Ponti, cuya ejecución se desarrolló entre 1939 y 1940.

En 1939 Campigli se separó y poco después contrajo matrimonio con la escultora Giuditta Scalini, con quien pasó los años de la contienda entre Milan y Venecia. Tras la guerra, la pareja repartió su tiempo entre Roma, París y Saint-Tropez. En 1943 nació su hijo Nicola en Venecia, un nuevo capítulo personal que coincidió con una madurez creciente en su lenguaje pictórico.

En una muestra personal en la Bienal de Venecia de 1948 presentó composiciones renovadas: figuras femeninas integradas en estructuras arquitectónicas complejas que subrayaban su interés por la arquitectura como marco de la figura. A lo largo de los años sesenta sus lienzos se fueron simplificando, con marcas de color que redujeron la figuración a trazos y bloques planos, acercándose a un terreno más abstracto.

Una década decisiva fue la de los años setenta, cuando una retrospectiva amplia fue organizada en el Palazzo Reale de Milán, destacando la singularidad de su trayectoria dentro del modernismo. Campigli falleció en 1971, en Saint-Tropez, dejando una obra que, entre la contención y la memoria, continúa dialogando con la historia del arte.

El itinerario de Campigli demuestra que la pintura puede convivir con el periodismo, el viaje y la vida de taller, y que la memoria de civilizaciones pasadas puede servir de cimiento para una experiencia visual contemporánea. Su lenguaje cuidadoso y disciplinado invita a mirar con atención un mundo que fusiona lo antiguo y lo moderno, donde la razón dialoga con una poética contenida.

Obras y encargos destacados

• I costruttori, mural para la League of Nations en Ginebra.
• Non uccidere, fresco monumental para los tribunales de Milan.
• Composición para la Bienal de Venecia de 1948; serie con figuras femeninas en organigramas arquitectónicos.
• Fresco para el Liviano de Padua, concebido por Gio Ponti, de gran extensión.
• Trabajos para colecciones públicas y privados a lo largo de París, Milán y Nueva York, que reforzaron su perfil internacional.