Michel Simon

Michel Simon nació en una ciudad suiza a finales del siglo XIX y, a lo largo de una vida que abarcó el escenario, el cine y la pantalla pequeña, se convirtió en una figura clave del cine europeo. Su fisonomía particular, su voz grave y su versatilidad le permitieron transitar entre la comedia más afilada y la intensidad de dramas existenciales, dejando un legado que aún hoy resuena en cada interpretación. Este texto ofrece una mirada nueva y profunda de su trayectoria, sin replicar pasajes, pero sí haciendo justicia a los hechos que la sostuvieron.

Michel Simon nació en una ciudad suiza a finales del siglo XIX y, a lo largo de una vida que abarcó el escenario, el cine y la pantalla pequeña, se convirtió en una figura clave del cine europeo. Su fisonomía particular, su voz grave y su versatilidad le permitieron transitar entre la comedia más afilada y la intensidad de dramas existenciales, dejando un legado que aún hoy resuena en cada interpretación. Este texto ofrece una mirada nueva y profunda de su trayectoria, sin replicar pasajes, pero sí haciendo justicia a los hechos que la sostuvieron.

Biografía

Inicios

Simon vino al mundo en Ginebra, una ciudad de la Suiza francesa, como hijo de un artesano de embutidos y de una mujer dedicada al hogar. Sus primeros años estuvieron marcados por la separación de la familia y por un impulso de independencia que lo empujó hacia París, la capital de sus sueños. Allí ocupó un cuarto en Montmartre, en el antiguo Hotel Renaissance, y, entre múltiples ocupaciones, probó suerte dando clases de boxeo, vendiendo artículos de origen dudoso y aprendiendo a convivir con un entorno bohemio que empezaba a configurarlo.

La lectura ocupaba un lugar central en su vida: Georges Courteline era su autor de cabecera y, al mismo tiempo, su refugio ante la dureza cotidiana. En esa etapa inicial, las artes trabajaron como un imán que le atraía con fuerza, incluso cuando sus oficios ilusionaban menos que sus anhelos de escena.

El año 1912 marcó un primer impulso artístico, aunque modesto: se entregó a oficios de ilusionista, payaso y acróbata al frente de un espectáculo que combinaba danza y humor, estrenado en Montreuil. Este debut en el mundo escénico le permitió entender que la comedia podía ser vehículo de una verdad más profunda que las palabras mismas.

La Gran Guerra no fue un mero trasfondo para su vida; le tocó servir en las filas suizas en 1914, y durante esos años se describía a sí mismo como alguien que no aceptaba órdenes sin cuestionarlas. En ese periodo padeció tuberculosis, una enfermedad que, lejos de frenarlo, afianzó su deseo de buscar un camino artístico más estable.

El giro decisivo llegó en 1915 cuando, a la distancia de la enfermedad, observó a Georges Pitoëff actuar en Hedda Gabler, una experiencia que le hizo descubrir su vocación. Aun así, no sería hasta 1920 cuando dio sus primeros pasos serios en el mundo del teatro, realizando una breve intervención en Medida por medida, dentro de la compañía de Pitoëff, en una versión francesa de la obra de Shakespeare.

La fotografía y el descubrimiento caminaban junto a su carrera unexpected: trabajó como fotógrafo para la agrupación teatral y, en una puesta en escena de Shaw, Androcles y el león, fue revelado como un intérprete con potencial. En 1922 su compañía se trasladó a París, instalándose en el Teatro de los Campos Elíseos, un escenario que sería decisivo para su proyección.

El salto al bulevar y las colaboraciones Después de un corto paso por esa sala parisina, Simon pasó a trabajar como actor de vodevil en los escenarios de la ciudad, interpretando obras de Tristan Bernard, Marcel Achard y Yves Mirande. Fue precisamente Achard quien lo presentó a Louis Jouvet, un encuentro que abrió las puertas a una etapa de formación actoral más sólida y a la exploración de un repertorio diverso que abarcaba desde el drama hasta la comedia musical.

La consolidación en las tablas En las décadas siguientes, Simon se integró a la compañía de Charles Dullin y participó en piezas de gran variedad temática, desde la sátira hasta la crítica social. Su presencia en obras como Je ne vous aime pas, acompañando a Valentine Tessier, consolidó su reputación de intérprete capaz de sostener con inteligencia personajes complejos. participó en musicales como Le Bonheur, mesdames y Les Joies du Capitole, creaciones firmadas por Albert Willemetz, que le permitieron ampliar su registro escénico y su público.

Últimos años

La década de 1930 y el paso del cine mudo al sonoro no solo testificó la versatilidad de Simon en el teatro, sino que también marcó un periodo de transición en su carrera cinematográfica. Sus primeros trabajos en la pantalla, iniciándose en el cine mudo, supieron explotar la singularidad de su fisonomía y su voz para encajar en un abanico de personajes. A diferencia de otros intérpretes que dependían de la gesticulación exagerada, él hizo de la claridad vocal y de un timbre grave un sello distintivo, lo que le permitió moverse con aplomo entre la comedia y la tragedia. Entre sus títulos más recordados de esa época figuran obras que hoy se consideran clásicos.

La cúspide de la popularidad cinematográfica llegó gracias a su capacidad de dotar de humanidad a personajes que podrían haber sido meros estereotipos. Su interpretación en Boudu salvado de las aguas, por ejemplo, se convirtió en un referente por la empatía que logró generar hacia un personaje provocador y ambiguo. En su filmografía temprana también destacan colaboraciones con grandes figuras del cine europeo y, de manera destacada, su presencia en La pasión de Juana de Arco, dirigida por Dreyer, que subrayó su habilidad para sostener escenas de gran intensidad emocional.

La evolución en el cine sonoro En la llegada del cine sonoro, Simon supo aprovechar su habilidad para modular la voz, ganando distinción en comedias y dramas por igual. La mezcla de su presencia escénica y su autoridad vocal convirtió su participación en una garantía de calidad, permitiéndole brillar en títulos que iban desde la comedia ligera hasta el drama profundo, siempre con una sombra de melancolía que intensificaba la narrativa de cada historia.

El pico y las complicaciones En la década de los años 50 sufrió un contratiempo: un accidente ligado a un maquillaje que le provocó una parálisis parcial, lo que obligó a frenar temporalmente su actividad frente a la cámara y en el escenario. Aun así, su capacidad de interpretación no se desvaneció por completo, y su figura siguió convocando el interés de directores y audiencias.

El reconocimiento internacional En 1967 fue galardonado con un premio importante en Berlín: el Oso de Plata a la mejor interpretación masculina, por Le Vieil Homme et l'Enfant, dirigido por Claude Berri. Este reconocimiento subrayó la vigencia de su carisma y su talento incluso en etapas posteriores de su carrera.

El último capítulo Michel Simon falleció en 1975 en Bry-sur-Marne, Francia, a causa de una embolia pulmonar, con ochenta años cumplidos. Según su voluntad, fue enterrado en un cementerio suizo, en Grand-Lancy, junto a sus padres, un gesto que hablaba de una vida que, pese a sus cambios, mantuvo siempre un vínculo con sus raíces.

Vida privada

La vida personal de Simon estuvo signada por amistades singulares y por afanes muy poco convencionales. Entre sus confidencias figura la relación con Madame Claude, propietaria de un club de encuentro exclusivo, de quien decía haber sido uno de sus “probadores” en un sentido literal y lúdico de la palabra, una anécdota que ilustra la mirada atrevida que caracterizaba su mundo privado.

La afición por el coleccionismo y la controversia Su interés por la pornografía era conocido, acumulando una colección extraordinaria de objetos relacionados con la sexualidad; al morir, su hijo gestionó la dispersión de estas piezas a través de numerosas ventas. Este rasgo dio lugar a rumores y a una imagen pública compleja, que contrastaba con su ser en el escenario.

La vida nocturna y los hábitos Su apego por la bohemia y por ciertos ambientes de pasión lo llevó a frecuentar burdeles célebres, como One-Two-Two y Le Sphinx, donde la experiencia humana y la diversidad de personajes se convertían en materia de observación para su arte.

La filosofía de vida En momentos de conversación declaraba un gusto por la compañía de lo salvaje, llevando a su propio relato una postura que decía: prefería convivir con animales que con personas, una expresión que, si se analizan sus obras, parece caer de forma coherente con la teatralidad mordaz que ejercía en sus creaciones.

La casa bohemia y los monos Durante largos periodos vivió en una residencia bohemia en Noisy-le-Grand, a las afueras de París, donde custodiaba una colección que desbordaba de objetos eróticos. Monitorizaba una pequeña comunidad de monos que deambulaban por el recinto, una imagen que hoy se recuerda como una muestra de su gusto por lo extravagante y lo experimental.

Teatro

• 1920 – Presentaba un montaje de Les Ratés, con diseño escénico de Pitoëff, en una sala popular de Plainpalais.
• 1920 – Tomaba parte en Medida por medida de Shakespeare, también con la dirección de Pitoëff.
• 1920 – Interpretaba Los bajos fondos de Gorki, con la puesta en escena de la misma compañía, en el mismo lugar.
• 1921 – Participaba en Androclès et le Lion de Shaw, con escenografía de Pitoëff y en Plainpalais.
• 1921 – En Théâtre Moncey actuaba en una obra de Leonid Andréiev, junto a otros intérpretes.
• 1922 – Su grupo se trasladó a París para presentarse en los Campos Elíseos, cambiando de escenario y manteniendo el tono de la experiencia teatral.
• 1922 – Debutaba en Los bajos fondos de Gorki para el segundo tramo de su juventud artística, esta vez en el emblemático Teatro de Campos Elíseos.
• 1923 – En Campos Elíseos presentaba Mademoiselle Bourrat, con dirección de Pitoëff, y posteriormente Monsiuer Le Trouhadec saisi par la débauche de Jules Romains, con escenografía de Louis Jouvet.
• 1923 – Un ensayo de Seis personajes en busca de un autor encabezaba la lista de la temporada, con Pirandello, en Campos Elíseos, como escena principal.
• 1924–1927 – La actividad teatral continuó con una sucesión de títulos que iban desde Pirandello a Gógol, pasando por obras de Andréiev y otras firmas, con Jouvet o Pitoëff como pilares de dirección y con la participación de la compañía en varias salas de París y alrededores.
• 1928–1930 – El repertorio se enriquecía con piezas como Le Coup du 2 décembre y Siegfried, de Giraudoux, además de Le Cercle de Maugham y Le Bonheur, de varios autores, que mostraban la movilidad de Simon a través de distintos estilos y corrientes teatrales.
• 1931–1934 – En los Campos Elíseos se consolidaba como figura de respaldo que florecía en escenas de gran ensamblaje coral; se destacaban montajes de Pirandello, Gorki y Bard, con un énfasis en la técnica de escenografía de Jouvet y otros directores.
• 1935–1937 – Formó parte de claves de la escena parisina, en títulos como Le Bébé de l'escadron y Amants et Voleurs, y en obras contemporáneas de Marguenat, Bernard y De Croisset.
• 1938–1940 – Continuó con un repertorio que combinaba comedia, drama y una visión crítica de la sociedad, presentando Parrillas de títulos que iban desde Le Quai des brumes a Le Bonheur, siempre con una lectura personal de cada rol.
• 1940–1950 – Años de posguerra que reforzaron su estatus de líder de escena: su presencia en obras como Le Portier du paradis y otras producciones marcó una etapa de consolidación en teatros de prestigio.
• 1950–1967 – Mantuvo una actividad constante en el escenario parisino y en giras, acumulando una lista de piezas que mostró su capacidad para adaptar la interpretación a cambios de tono y público, con colaboraciones repetidas de directores destacados.
• 1967–1975 – Sus últimas temporadas teatrales se empaparon de reconciliaciones entre tradición y modernidad, cerrando con títulos que celebraban la memoria de la crítica y la reverencia del público hacia un actor cuya carrera había sido un puente entre generaciones.

Filmografía

Cine

• 1924 La Galerie des monstres: una primera inmersión en la puesta en escena audiovisual junto a directores veteranos.
• 1925 La Vocation d'André Carel: una historia que exploraba dilemas y motivos personales en clave intimista.
• 1925 Feu Mathias Pascal: una composición de caracteres complejos que se inscribió entre sus primeras colaboraciones con cineastas de vanguardia.
• 1926 L'Inconnue des six jours: un thriller que jugaba con la identidad y la memoria en un marco de misterio.
• 1927 Casanova: una biografía iluminada por su capacidad de entonar la emoción teatral en la pantalla.
• 1928 Tire-au-flanc: comedia y crítica social se entrelazaban en su interpretación.
• 1928 La pasión de Juana de Arco: una obra de Dreyer que le permitió desarrollar una presencia grave y contenida ante la cámara.
• 1929 Pivoine: un papel discreto que mostró su manejo del matiz en el silencio de la película.
• 1930 L'Enfant de l'amour: parte de una etapa de transición hacia el sonido y la expresividad verbal.
• 1931 On purge bébé: una comedia de Renoir en la que dejó su marca cómica y su peso dramático.
• 1931 La Chienne: un título clave de Renoir que convirtió a Simon en un referente de personajes ambiguos.
• 1931 Baleydier: un registro más del repertorio de la época, con un tono satírico y humano.
• 1931 Jean de la Lune: un auto-epígrafe en el que dio prueba de su ingenio y su voz en un papel que firmó en una versión compartida con Choux.
• 1932 Boudu salvado de las aguas: la comedia negra que lo consagró ante el gran público y dejó una imagen inolvidable de su humanidad ambigua.
• 1933 Miquette et sa mère: colaboración con Diamant-Berger y otros; una obra que mostró su capacidad para el ensemble femenino y masculino en escena.
• 1933 Léopold le bien-aimé: un retrato histórico en el que su presencia enfatizaba el foco en el personaje secundario que luego sería central.
• 1933 Du haut en bas: un ejercicio de cámara y voz que confirmó su versatilidad entre géneros.
• 1934 Le Bonheur: una de las pruebas más consistentes de su capacidad para transmitir sentimiento sin perder la precisión en la palabra.
• 1934 L’Atalante: colaboración con Jean Vigo para una película que fusionaba poesía visual con la realidad cotidiana.
• 1935 Le Bébé de l'escadron: interpretación en un entramado de comedia de costumbres y tensión emocional.
• 1935 Amants et Voleurs: un drama de Raymond Bernard que permitió explorar la ética y la pasión bajo una luz humana.
• 1935 Adémaï au Moyen Âge: una incursión en la farsa histórica con su inconfundible sello de actor versátil.
• 1936 Sous les yeux d'Occident: un ejercicio de observación social y crítica velada en clave dramaticamente ácida.
• 1936 Moutonnet: un retrato de vida interior que midió su capacidad para lo contenida y lo eléctrico en equilibrio.
• 1936 Le Mort en fuite: una historia de intriga en la que su presencia aportó la densidad necesaria.
• 1936 Les Jumeaux de Brighton: una comedia con toques de ironía que afianzó su versatilidad cómica.
• 1936 Jeunes filles de Paris: retrato de una ciudad y sus personajes jóvenes, interpretado con su habitual precisión.
• 1936 Faisons un rêve: una obra de Guitry que dejó entrever su talento para el juego de conversaciones y silencios.
• 1937 Le Choc en retour: una experiencia escénica de Georges Monca y Maurice Kéroul, con su sello singular.
• 1937 Boulot aviateur: humor y acción se entrelazaban en una historia de oficio y prudencia.
• 1937 Drôle de drame: una日fábula de Marcel Carné con una lectura de la realidad social bajo tintes líricos.
• 1937 La Bataille silencieuse: suspense y humanidad en un marco de drama social.
• 1937 Naples au baiser de feu: una travesía entre culturas que ofrecía a Simon un escenario de matices exquisitos.
• 1938 Le Ruisseau: intimidad y deseo en una narración que se apoyaba en su voz y su mirada.
• 1938 Mirages: una exploración de fantasía y frustración donde su presencia era clave para sostener el tono onírico.
• 1938 Les Nouveaux Riches: sátira social que encontró en su interpretación una voz crítica y cercana a la gente común.
• 1938 Les Disparus de Saint-Agil: thriller de crimen y motivación humana con una atmósfera densa.
• 1938 La Chaleur du sein: una pieza de ternura y ambigüedad afectiva interpretada con precisión.
• 1938 Belle Étoile: drama de índole romántica que permitió demostrar su capacidad de gravitar entre lo tierno y lo irónico.
• 1938 Le Règne de l'esprit malin: una obra de suspenso y matiz siniestro que reservaba para él momentos de gran intensidad.
• 1938 Le Quai des brumes: Le Quai des brumes, una de sus colaboraciones más recordadas con Carné, donde su personalidad aportaba una mezcla de nostalgia y dureza necesaria para el tono del film.
• 1939 Eusèbe député: trabajo con tono satírico que mostraba su facilidad para la comicidad contenida.
• 1939 Noix de coco: comedia con un quiebre de humor que se convertía en una forma de analizar la vida cotidiana.
• 1939 Les Musiciens du ciel: drama humano que permitió explorar sueños y sacrificios de los personajes.
• 1939 Fric-Frac: repetida colaboración con la comedia elegante que ofrecía un marco de entretenimiento inteligente.
• 1939 Derrière la façade: intriga y vértigo emocional que exigían un control riguroso de la voz.
• 1939 Le dernier tournant: thriller de Pierre Chenal en el que dio prueba de su capacidad para sostener presencia ante la cámara.
• 1939 Cavalcade d'amour: melodrama con un foco humano y una narración con ritmo sostenido.
• 1939 La Fin du jour: Julien Duvivier presentó una historia de despedidas y reflexiones ante la vida madura.
• 1939 Circonstances atténuantes: comentario social envuelto en un relato de crimen y responsabilidad.
• 1939 Paris-New York: una colaboración de Mirande y Heymann que llevó su voz y su mirada a dos grandes escenarios transatlánticos.
• 1940 La Comédie du bonheur: comedia de Marcel L'Herbier donde su presencia aportó una dosis de ironía sutil.
• 1941 Tosca: interpretación en una versión cinematográfica de un texto lírico y cargado de emociones.
• 1941 Il ré se diverte: pieza que permitió un juego de timbres y silencios bajo la dirección de Mario Bonnard.
• 1942 Una signora dell'Ovest: su participación en un relato de frontera y dilemas morales.
• 1943 Vautrin: drama de Pierre Billon que exigía un tono grave y una mirada penetrante.
• 1943 Au Bonheur des Dames: adaptación de la novela de Cayatte que combinaba humor y crítica social.
• 1945 Un ami viendra ce soir: thriller humano que dejó en claro su capacidad para sostener tensión en la escena.
• 1946 La Taverne du poisson couronné: filme con atmósfera de misterio y humor negro, en el que su presencia aportó la chispa esencial.
• 1946 Panique: drama de Julien Duvivier que mostró su mayor temple ante el conflicto y la tragedia.
• 1947 Non coupable: thriller judicial de Henri Decoin que le permitió explorar la justicia y la culpa con frialdad contenida.
• 1947 La Carcasse et le Tord-cou: un retrato de la corrupción y la lucha personal en un marco de suspense.
• 1947 Les Amants du pont Saint-Jean: romance intenso dentro del marco de una ciudad en transformación.
• 1949 Fabiola: drama histórico dirigido por Alessandro Blasetti donde dio cuerpo a una figura de gran envergadura.
• 1950 La Beauté du diable: drama histórico de René Clair que fusionaba fantasía y realidad con toques de humor.
• 1950 Le due vérita: película de ambientación clásica en la que su interpretación aportó una nota de ironía elegante.
• 1951 La Poison: comedia de Sacha Guitry que supo permitirle un registro de refinada comicidad.
• 1951 Vedettes sans maquillage: retrato de la escena y de sus estrellas sin adornos, donde mostró su experiencia para trabajar con la puesta en escena de otros.
• 1951 La Cité du midi: filmografía que exploraba la vida cotidiana en un marco urbano, con una interpretación sobria y precisa.
• 1952 Le Marchand de Venise: adaptación de la obra clásica que permitió a Simon sostener un papel de atmósfera y táctica emocional.
• 1952 Hôtel des Invalides: drama social de Georges Franju que ofrecía un retrato humano de la vejez y la memoria.
• 1952 Monsieur Taxi: comedia de acción que le permitió maniobrar entre la ironía y el costumbrismo europeo.
• 1952 La Fille au fouet: suspense con toques de thriller, un reto para su voz y su presencia en pantalla.
• 1952 Brelan d'as: segmento de un film de Verneuil que incluía una viñeta de vida cotidiana y humor satírico.
• 1952 Le Rideau rouge: intriga con un formato de tablero teatral que favorecía la construcción del personaje.
• 1952 La Vie d'un honnête homme: comedia de Guitry que hallaba en su personaje un equilibrio entre lo crítico y lo afectivo.
• 1952 Le Chemin de Damas: drama de Max Glass que exigía consistencia y control emocional.
• 1952 Femmes de Paris: retrato social en clave de costumbrismo urbano, donde su intervención aportó presencia y verdad.
• 1953 L'Étrange Désir de monsieur Bard: película de Géza von Radványi donde mostró la densidad de una mirada contenida.
• 1953 Saadia: drama dirigido por Albert Lewin con alcance lírico y una interpretación sobria de Simon.
• 1953 Par ordre du tsar: cine histórico que le permitió explorar una figura en clave de ficción con nuance.
• 1953 Étoiles au soleil: drama coral en el que su voz y su presencia daban cohesión al ensemble.
• 1953 Tempi nostri: sketch La confesión de Blasetti donde combinaba comedia y reflexión ética.
• 1955 L'Impossible Monsieur Pipelet: comedia de Hunebelle que aprovechaba su habilidad para el tempo cómico.
• 1955 Les Mémoires d'un flic: thriller policial de Pierre Foucaud que exigía un manejo claro de la tensión.
• 1956 La Joyeuse Prison: comedia de Berthomieu que ofrecía un retrato humano con pinceladas de ironía.
• 1957 Les Trois font la paire: comedia de Guitry que mostró su talento para las dinámicas de trío en escena.
• 1957 Un certain monsieur Jo: retrato de un personaje peculiar en una película de René Jolivet.
• 1958 El cebo: film de Vajda con un tono sombrío y una interpretación más sombría, que le dio un matiz distinto a su carrera.
• 1959 Georges Simenon: cine de Hauduroy que capitalizó el potencial de un retrato humano dentro de un marco de novela policial.
• 1959 Nackte und der satan: thriller de Trivas que mezclaba intriga y presencia sombría.
• 1959 Mon ami Lazlo: comedia de François Raymond que combinaba humor costumbrista y una visión humana de sus personajes.
• 1959 Austerlitz: una exploración histórica de Abel Gance que permitió a Simon trabajar en un registro épico y detallado.
• 1960 Pierrot la tendresse: un retrato sentimental que requería una sutileza emocional y una voz controlada.
• 1960 Candide ou l'Optimisme au XXe siècle: adaptación de Carbonnaux que jugaba con la ironía y la crítica social.
• 1961 Chasse aux vedettes: comedia de Camille Chatelot donde su presencia alimentaba el ritmo de las escenas.
• 1962 Le Diable et les Dix Commandements: cine de Duvivier donde su figura aportaba una ética ambigua y contundente.
• 1962 Le Bateau d'Émile: una historia de aprendizaje y memoria en un marco clásico.
• 1962 Cyrano et d'Artagnan: película de Abel Gance que unía figuras históricas en una lectura teatralizada.
• 1962 L'Échiquier de Dieu: drama de Christian-Jaque que dejó ver su dominio de la escena intelectual.
• 1962 Pourquoi Paris?: filme de La Patellière que convirtió la ciudad en personaje vivo y protector de la memoria.
• 1963 Mondo di notte numero 3: producción italiana que acercaba su interpretación a un público transfronterizo.
• 1964 El tren: película de John Frankenheimer y Farrel que llevó a Simon a un marco de thriller contemporáneo con un tono sobrio.
• 1964 Steinlein: drama de Alain Saury en el que mostró una faceta contenida y precisa.
• 1964 Michel Simon: retrato documental que recogía la esencia de su carrera desde una mirada biográfica.
• 1965 Ecce Homo: obra de Alain Saury que resonaba con su tendencia a la reflexión sobre la condición humana.
• 1965 Deux heures à tuer: comedia de Ivan Govar que permitió un juego con el tempo y la ironía fina.
• 1966 Le Vieil Homme et l'Enfant: clásico de Claude Berri que le ofreció un escenario de gran calado emocional y humano.
• 1967 Ce sacré grand-père: comedia de Jacques Poitrenaud que explotó su capacidad para la ternura y la sátira suave.
• 1970 La Maison: filme de Gérard Brach que reunió a generaciones en una historia de vínculos y entorno íntimo.
• 1970 Contestazione generale: Zampa, Zampa; sketch de Zampa y compañía, que mostró su habilidad para la sátira social y el ritual del teatro en pantalla.
• 1971 Blanche: película de Walerian Borowczyk que presentó una exploración estética de la escena y el deseo.
• 1972 La più bella serata della mia vita: comedia italiana de Ettore Scola donde ofrecía una interpretación con sabor europeo y humano.
• 1973 Le Boucher, la Star et l'Orpheline: puesta en escena de Jérôme Savary que combinaba humor y crítica cultural en un formato musical-teatral.
• 1975 L'Ibis rouge: película de Jean-Pierre Mocky que cerraba su filmografía con una última contribución a su estilo peculiar.

Televisión

• 1960 Boubouroche: teleinterpretación de Stellio Lorenzi que llevó su presencia a la pequeña pantalla con una lectura íntima del personaje.
• 1964 Cinéastes de notre temps: Jean Vigo: retrato crítico y humano de un cineasta en una entrega televisiva de Jacques Rozier.
• 1965 Six comédiens sans personnage: estudio de carácter en formato televisivo que exploraba la esencia de la interpretación.
• 1965 Cinéastes de notre temps: Sacha Guitry: episodio que recogía la mirada de un maestro sobre su propio oficio.
• 1966 La nuit écoute: drama televisivo de Claude Santelli que mostró su compostura ante la cámara en una historia de tensión nocturna.
• 1966 Cinéastes de notre temps: Portrait de Michel Simon par Jean Renoir: documental en el que Rivette y otros exploraban su legado a través de la voz de colegas y su propia biografía.
• 1968 Du vent dans les branches de Sassafras: telefilm de Jacques Duhen que ofrecía una lectura humorística y tierna de un personaje idiosincrásico.
• 1969 Cinéastes de notre temps: René Clair: especial de homenaje y análisis de su influencia en el cine europeo.
• 1973 Bienvenu à Michel Simon: programa de variedades que celebraba su trayectoria y su aporte al séptimo arte.
• 1974 Histoire du cinéma français par ceux qui l'ont fait: documental que reunía voces de diferentes generaciones para trazar la historia.
• 1995 Michel Simon: documental de Moïse Maatouk: cierre mediático de su figura como homenaje y análisis retrospectivo.