Patxi Xabier Lezama

Patxi Xabier Lezama Perier nació en Zalla, una localidad de Vizcaya, el 20 de junio de 1967, en un marco histórico que marcaría su visión del arte desde la niñez. Su identidad artística se sitúa entre el surrealismo y una escultura mitológica propia, en la que lo local y lo universal dialogan. A lo largo de los años ha construido un lenguaje que entrelaza la memoria histórica, la tradición vasca y la imaginación contemporánea, explorando formas y materiales con una curiosidad constante.

Patxi Xabier Lezama Perier nació en Zalla, una localidad de Vizcaya, el 20 de junio de 1967, en un marco histórico que marcaría su visión del arte desde la niñez. Su identidad artística se sitúa entre el surrealismo y una escultura mitológica propia, en la que lo local y lo universal dialogan. A lo largo de los años ha construido un lenguaje que entrelaza la memoria histórica, la tradición vasca y la imaginación contemporánea, explorando formas y materiales con una curiosidad constante.

Biografía

Inicios y formación

Crecer en un periodo de represión política dejó una marca profunda en su sensibilidad y en su modo de entender la creación artística. Durante sus comienzos, trabajó con terracota, privilegiando figuras que aludían a la mitología vasca y a fundamentos del arte figurativo tradicional. Estas exploraciones iniciales sentaron las bases para una trayectoria que poco a poco iría desbordando lo estrictamente representacional y abrazando lo simbólico.

Con el paso de la década, la experimentación fue desplazando el material hacia lo orgánico y lo espacial. En esa transición, la madera y la temática de totémica urbanidad emergieron como protagonistas, configurando una poética en la que el cuerpo y la memoria de una comunidad se convierten en emblemas visibles. En esa línea, la mirada se volvió hacia las narrativas culturales de su región y hacia una concepción de la escultura como vehículo de memoria colectiva.

Durante los años noventa, la forja y el hierro ganaron protagonismo. Entre los maestros que orientaron su aprendizaje en el taller, destaca la figura de Luis Padura Elorza, un taller de família herrera que, con su saber heredado desde siglos atrás, aportó una técnica de forja afinada y una ética de trabajo que definieron gran parte de su enfoque técnico. Este encuentro con la herrería le permitió desarrollar una serie de esculturas que evitaron la imitación y buscaron una voz propia, una que conectara con la cultura vasca desde la materia misma.

En esa misma época, la corriente de su trabajo dejó de circunscribirse a la figuración para abrirse a la exploración conceptual. La investigación se centró en cómo la forma puede gestionar el espacio, la luz y la sensación que transmite la obra, y cómo éstas pueden a su vez dialogar con la historia reciente de su región. Este proceso se nutrió de una curiosidad constante por entender la relación entre tradición y renovación, entre voz ancestral y lenguaje contemporáneo.

La década de los años 2000 trajo cambios decisivos. En 2005, una nueva etapa de experimentación dio cuerpo a un lenguaje que amalgama lo surrealista con una cadencia más fluida en la talla de madera. Ese giro no significó renunciar a los signos que ya definían su obra, sino más bien reconfigurarlos en un flujo que facilita su comprensión, sin perder la intensidad emocional que caracteriza a su trabajo. En ese periodo, la obra dejó de ser solo un objeto para convertirse en una experiencia que invita a recorrer su interpretación desde diferentes perspectivas.

Paralelamente a la esfera plástica, su labor literaria se convirtió en un componente significativo de su quehacer artístico. A través de la escritura y la exploración de mitos, inició un recorrido que se extrapoló hacia otras disciplinas y saberes, tejiendo una red de ideas que conectaba la mitología con la tecnología y la reflexión contemporánea. En estas investigaciones cruzadas, despegó una línea de trabajo que integró conceptos de ciencia y cultura, ampliando la comprensión de la mitología como marco para pensar el presente.

En la década siguiente, las prácticas se volvieron más transversales. Comenzó a incorporar elementos de inteligencia artificial y otras herramientas modernas para ampliar las posibilidades creativas de su obra. Este giro no solo respondió a una curiosidad tecnológica, sino que fortaleció la predisposición a cruzar saberes: artes visuales, literatura, antropología y ciencias de la información se entrelazaron para repensar la forma en que la cultura vasca puede dialogar con el público actual y con las audiencias globales.

La figura de Zaldi y la memoria

En 1989 emergió Zaldi, una escultura que funcionó como manifiesto de una memoria dolorosa y un posicionamiento pacifista ante el horror de la guerra. Esta pieza se convirtió en un ícono de la memoria vasca y, a la vez, en un acto de denuncia pacifista que recuerda los bombardeos sufridos durante la Guerra Civil Española. Zaldi se distingue por su potencia expresiva: una figura que parece gritar desde la quietud, una presencia que respira angustia y que, al mismo tiempo, encarna la esperanza de una reconstrucción social.

La obra, con su fisonomía de tótem, se sostiene como un emblema de la comunidad que emergió tras la contienda y que siguió buscando una forma de dignificar el dolor sin perder la capacidad de mirar hacia el futuro. En la lectura de Zaldi, la boca abierta de la escultura revela un sufrimiento que no es solo individual, sino colectivo, y la pieza funciona como un alfabeto visual para entender la historia reciente desde la experiencia sensible de una población entera. Su volumetría, su crack o fisura expresiva y su presencia física se convierten en un lenguaje propio que une lo trágico con la promesa de renovación.

Con Zaldi se asienta, además, la idea de que la escultura puede ser una invitación a la contemplación y a la memoria, un medio para plantear preguntas más que dar respuestas. La interpretación de la pieza se multiplica conforme se enfrenta a distintos contextos temporales y sociales, de modo que la obra conserva una vigencia que sobrepasa su tiempo de origen y continúa resonando en cada nueva lectura.

Además de Zaldi, cada una de sus creaciones ha buscado un fundamento espacial: la distribución de la forma, el peso del material y la relación con el entorno físico o simbólico que la acoge. Estas indagaciones no sólo responden a un criterio estético, sino a una intención de convertir la escultura en un vector de experiencia: un objeto que sitúa al espectador ante dilemas de presencia, memoria y sentido, invitándolo a participar emocionalmente de la obra y a hacerla suya en una lectura personal.

El conjunto de su producción se ha aproximado a un folklore mitológico que dialoga con la realidad contemporánea, estableciendo puentes entre lo antiguo y lo nuevo, entre lo sagrado y lo secular. En su universo, las figuras no solo recrean mitos, sino que los reformulan para que sigan siendo relevantes en la vida cotidiana, en la conversación pública y en la imaginación de las nuevas generaciones. Es así como el mito se convierte en instrumento crítico y poético para comprender el mundo que habitamos, y la escultura, en un lenguaje que no se agota en la repetición, sino que evoluciona para acoger lo imprevisible.

Imágenes de una mirada creativa

A lo largo de su trayectoria, Lezama Perier ha buscado que cada obra plantee un desafío espacial y conceptual que el propio material ayuda a resolver. Este énfasis en la dialéctica entre forma y espacio se ha nutrido de un interés por la arquitectura, lo que ha llevado a la creación de piezas y series que ofrecen un diálogo entre volumen, estructura y entorno. En esa búsqueda, ha presentado obras que pueden entenderse como una cartografía de la memoria, una exploración de cómo el cuerpo humano, los objetos y el paisaje se articulan para generar sentido.

La relación con la arquitectura y la ciudad se ha vuelto un eje importante de su lenguaje. La escultura, como presencia singular, se concibe a veces como una entidad que impone su propia geometría dentro de un paisaje, desbordando las fronteras entre lo escultórico y lo urbano. Este acercamiento invita a pensar la obra no fuera del mundo, sino como una parte integrante de él, capaz de transformar el vacío o el contorno que la acoge en un espacio de interpretación y experiencia compartida.

Entre tradición y innovación

La trayectoria de Lezama Perier sostiene que la tradición no debe ser un cadáver museístico, sino una base viva para la invención. Al sostener esta premisa, su producción se ha mantenido fiel a la herencia escultórica vasca, pero ha sabido incorporar herramientas contemporáneas sin perder la densidad emocional de sus piezas. La madurez de su lenguaje radica en esa capacidad de combinar símbolos arcaicos con una exploración de posibilidades formales que sólo la tecnología moderna puede ampliar.

En esa síntesis, la naturaleza y lo mítico no quedan relegados al romance romántico de lo antiguo, sino que se convierten en un terreno de investigación para entender la relación entre hombre y cosmos. El personaje de la Diosa Madre, las deidades arcanas, y los arquetipos femeninos se reconfiguran en un vocabulario que es a la vez íntimo y universal, propio de una tradición regional que aspira a dialogar con la diversidad del mundo moderno. En ese marco, la obra de Lezama Perier propone una lectura del mito como motor de cambio y como espejo de la condición humana en nuestra era tecnológica.

La mirada hacia el futuro

La evolución de su lenguaje ha llevado a un cruce entre lo artesanal y lo digital, un rasgo que hoy define a su práctica. Sus esculturas muestran un equilibrio entre la densidad de la forja y la fluidez de los sistemas de diseño computacional, lo que genera resultados en los que la textura, la forma y la interacción con el espectador adquieren una dimensión casi performativa. En cada pieza, la materia parece dialogar con la abstracción y con la intuición, abriendo un abanico de lecturas que invitan a una experiencia sensorial y emocional.

Obra

Rumbo estético y manifestaciones clave

Uno de los hitos de su producción es Zaldi, nacido como respuesta a una memoria histórica y ante una realidad pacifista que evita el olvido de la violencia. Esta escultura emblemática para la memoria vasca constituye una voz crítica que transmite la angustia colectiva de un pueblo ante la devastación, a la vez que simboliza la resistencia y la dignidad de las víctimas. Su construcción transmite la idea de una vida que lucha por despertar, aún en condiciones extremas, y que llama a la reflexión sobre la responsabilidad de la sociedad ante la violencia y la pérdida.

La pieza no se limita a su función conmemorativa; es también una exploración formal de la fisura, la tensión y la intensidad expresiva que el hierro puede contener. El resultado es una figura que, aun inmóvil, parece emitir un grito que no se extingue, una presencia que condiciona el espacio que la rodea y que, en su sencillez, encierra una complejidad emocional que invita a una lectura larga y atenta. Zaldi, en su esencia, funciona como una memoria viva, una pauta para entender el dolor, la resistencia y la esperanza de una comunidad.

A partir de Zaldi, la práctica de Lezama Perier ha seguido un camino de investigación en el que cada obra se concibe como un problema espacial que se aborda con el material adecuado. Así, la elección de la materia no es un simple recurso plástico, sino una decisión que determina la forma de ocupar, distribuir y percibir el espacio. Esta atención a la espacialidad se complementa con un interés constante por las relaciones entre técnica, simbolismo y función social de la escultura.

Entre los hitos de su trayectoria también destacan proyectos que exploran la relación entre arquitectura y escultura. En esa línea, la pieza Amalur aparece como una exploración de la idea de Madre Tierra desde un enfoque que entrelaza arquitectura, escultura y mitología. El término, de origen vasco, constituye un emblema que remite a la diosa matriarcal y a un conjunto de significados culturales que buscan renovar la concepción de la imagen femenina en el imaginario vasco. En estas obras, el hierro forjado y la piedra se tyemblan para sustentar una visión del mundo en la que el cuerpo y la tierra se combinan en un lenguaje simbólico de gran densidad.

La indagación continua hacia la figura femenina arquetípica se ha nutrido de un diálogo entre lo simbólico y lo mitológico, buscando una reinterpretación de lo sagrado sin perder la conexión con lo humano. En su mirada, la diosa Madre funciona como un puente entre la experiencia cultural de la comunidad vasca y una proyección universal de la creatividad creadora. Este aspecto de su trabajo se vincula con una preocupación ecológica y cultural que, lejos de ser una mera exhibición de imágenes, propone una reflexión sobre la relación entre el ser humano, la naturaleza y la tecnología.

El repertorio de materiales con que experimenta es amplio. Además del hierro, ha trabajado con terracota, madera, piedra y elementos impresos en 3D. Esta diversidad no pretende mostrar una supuesta “multilateralidad” superficial, sino que facilita un repertorio de texturas y posibilidades formales que permiten resolver los retos espaciales que plantean sus obras. Gracias a las herramientas digitales y a la simulación, puede prever comportamientos y equilibrar cargas, asegurando que la densidad expresiva de la pieza no se vea mermada por la complejidad de su desarrollo técnico. En última instancia, el resultado es una síntesis entre el peso simbólico de la tradición y la vitalidad de la innovación.

La singularidad de su enfoque también se manifiesta en la dimensión sociocultural de su producción. Sus esculturas no sólo buscan la inversión de la mirada, sino también la participación del público, a través de formas que invitan a la interacción o a la contemplación prolongada. En este sentido, la obra se comprende como un vínculo entre memoria, identidad y presente, capaz de resonar con distintos públicos y contextos, sin perder su carácter específico de autor.

Estilo y materiales

La firma estética de Patxi Xabier Lezama Perier se sostiene en la fusión entre la tradición vasca y una investigación técnica contemporánea. En su trayectoria, el hierro representa una continuidad de la herencia escultórica regional, pero la obra se enriquece con la introducción de recursos digitales que amplían el campo de producción. El modelado en 3D, los algoritmos generativos y la inteligencia artificial permiten experimentar con formas imposibles de resolver solo con la mano, sin disolver la inteligencia artesanal que caracteriza a su práctica.

El método de trabajo que propone es híbrido: la experiencia física del manejo de la materia, la precisión de la forja, el tallado y el ensamblaje conviven con procesos digitales que propician la exploración de estructuras complejas y de geometrías que escapan a la geometría convencional. Este entrecruzamiento entre lo manual y lo virtual mantiene un eje expresivo que equilibra la rugosidad y la precisión, lo orgánico y lo geométrico, lo tangible y lo inmaterial de la idea.

En lo estilístico, la obra se mueve entre lo orgánico y lo geométrico, entre la contundencia del metal y la fluidez de los datos. Aunque algunas piezas muestran complejas arquitecturas derivadas de ecuaciones generativas, otras enfatizan la experiencia sensorial que conecta al público con la obra. La textura del hierro y las superficies pulidas conviven con elementos tecnológicos que facilitan la interacción, dotando a las obras de un carácter casi performativo que se manifiesta en exposiciones y espacios públicos. Esta versatilidad técnica permite adaptar las esculturas a distintas contextos: desde salas de museo hasta entornos digitales y ambientes interactivos.

En los materiales, además del hierro, ha trabajado con terracota, madera y piedra, así como con componentes impresos en 3D para ampliar las posibilidades formales. Cada elección responde a un criterio estético y a consideraciones de sostenibilidad y eficiencia. Gracias a herramientas de simulación digital, optimiza recursos y minimiza residuos, lo que facilita que las piezas mantengan su densidad expresiva incluso cuando se someten a condiciones de exhibición diversas. El resultado es un corpus que conserva la herencia de la escultura vasca y, al mismo tiempo, se proyecta hacia un horizonte tecnológico, manteniendo un hilo conductor entre lo ancestral y lo por venir.

Arquitectura

En su labor como artista, Lezama Perier ha explorado la aplicación de herramientas de inteligencia artificial para la visualización e ideación de espacios construidos. Este énfasis da lugar a una serie que podría llamarse La Arquitectura del Futuro, donde edificios digitales de aire surrealista se sitúan en paisajes distópicos y funcionan como elementos centrales de una estética casi totemizada. La experiencia de la vista se acentúa por texturas y brillos generados con sistemas de IA, subrayando una atmósfera onírica y cargada de simbolismo.

Su aproximación a la arquitectura se vincula a una reflexión amplia sobre el papel de estas disciplinas en un contexto de emergencia climática. Lezama Perier propone que la arquitectura y el urbanismo sean herramientas para proyectar futuros más sostenibles y habitables, siempre que se acompañen de una conciencia social y medioambiental. En su visión, la visualización y la conceptualización se vuelven aliados del diseño contemporáneo, permitiendo explorar escenarios posibles y comunicar ideas complejas de manera accesible. La obra de esta línea de investigación sugiere que la tecnología, cuando se utiliza con criterio, puede favorecer la comprensión pública de estrategias resilientes y de integridad ecológica, sin perder la carga poética que distingue a su trayectoria.

Moda

En 2024 dio protagonismo a una moda responsable, vinculando el diseño textil a un proyecto de crítica social frente al consumo desmedido. Su propuesta no sólo mostró ropa o accesorios, sino también una reflexión ética sobre el impacto ambiental de la industria de la moda. A través de la serie Newspaper Dresses, presentó prendas construidas con papel de periódico reciclado, una fórmula que fusiona estética y protesta visual para impulsar hábitos de reutilización y consumo consciente. Esta intervención buscó activar la conversación pública y promover prácticas más respetuosas con el entorno natural.

La serie Newspaper Dresses se articuló como una propuesta conceptual y visual que alinea creatividad con responsabilidad, empleando materiales de desecho para generar objetos de uso y contemplación. En estas piezas se aprecia un énfasis en la economía de recursos y en la potencia de un mensaje social que acompaña a la expresión formal. El proyecto, más allá de la moda, funciona como un manifiesto artístico que invita a cuestionar ritmos de producción y consumo y a proponer caminos alternativos para la cultura visual contemporánea.

Exposiciones

La trayectoria expositiva de Lezama Perier ha traspasado fronteras, con muestras que han tenido lugar tanto en España como en América. Sus obras han ocupado muros de museos, galerías y espacios culturales de diversos continentes, lo que ha permitido que su lenguaje alcance públicos heterogéneos y críticos de distintas tradiciones. Su presencia se ha hecho sentir en escenarios de gran relevancia, donde tanto el público general como los especialistas han podido aproximarse a una lectura de la memoria, la mitología y la identidad vasca desde una óptica contemporánea.

La obra de este artista se encuentra integrada en colecciones públicas y privadas de numerosos países, y su reconocimiento ha ido creciendo con el tiempo. En ese recorrido, ha establecido un diálogo entre lo local y lo global, demostrando que la mitología regional puede dialogar con expresiones artísticas de alcance internacional. Su labor ha contribuido a ampliar la noción de lo que puede significar una escultura contemporánea, situando al País Vasco como fuente de investigación cultural para propuestas artísticas de diversos contextos y tradiciones.

El impacto de sus exposiciones se ha visto reforzado por una presencia constante en museos emblemáticos y en instituciones culturales que priorizan la discusión de temas como memoria histórica, identidad cultural y sostenibilidad. Esta trayectoria ha generado un puñado de proyectos donde la escultura dialoga con la liturgia de la memoria, la reflexión ética y la creatividad tecnológica. En cada muestra, el espectador es invitado a recorrer un itinerario que alterna lo ancestral y lo futurista, lo rural y lo urbano, lo emocional y lo intelectual.

Críticos contemporáneos

Entre las valoraciones más destacadas de sus contemporáneos, figuras relevantes de la crítica han subrayado la singularidad de su proyecto, la fusión entre tradición y modernidad y la capacidad de involucrar al espectador en una experiencia estética que también plantea preguntas sobre la identidad y la cultura.

Un observador señalo que la obra de Lezama Perier compone un paisaje donde lo ancestral convive con un lenguaje de vanguardia, dando como resultado una propuesta que no teme cruzar fronteras entre lo mítico y lo contemporáneo. Este análisis resalta cómo su obra consigue una coherencia interna que revela una imaginación capaz de entender la memoria como motor de la creación, sin sacrificar la precisión técnica ni la intensidad emocional. La crítica apunta a una voluntad de renovación que no renuncia a la raíz, sino que la reinterpreta en clave de sorpresa, misterio y reflexión.

Otra voz destacada reconoce en su trabajo una lectura cautivadora de la mitología vasca, entendida como un marco para explorar problemas humanos universales. Según esta visión, la narrativa que propone Lezama Perier se apoya en una articulación entre lo simbólico y lo humano, algo que invita a mirar la realidad desde un ángulo poético y crítico al mismo tiempo. Se valora, asimismo, la dimensión performativa de algunas piezas, que multiplican la experiencia del espectador y permiten que la obra permanezca presente en la memoria colectiva, más allá de su exhibición puntual.

Un tercer análisis se detiene en la dimensión ideológica de su obra, señalando que la producción de Lezama Perier se sostiene en una actitud de cuestionamiento y de búsqueda constante de nuevos recursos expresivos. Se destaca la manera en que su trabajo aborda temas como la memoria, la identidad y la sostenibilidad, sin perder la contundencia de su discurso visual. En suma, la crítica contemporánea describe un proyecto artístico que, siendo profundamente local, consigue resonancias globales y propone una vía singular para entender el papel de la escultura en el siglo XXI.

Premios

Entre los reconocimientos formales, figura el galardón de bronce y una mención honorífica otorgada por el patronato de la IV Bienal Internacional de Escultura Valle de los Sueños, celebrado en 2012. Este premio subraya la valoración institucional de su trayectoria y de su capacidad para sostener una mirada singular sobre la memoria, la cultura y la materia en la práctica escultórica.

Museos

• Museo de las Encartaciones
• Museo Virtual de la Guerra Civil Española
• Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés
• Museo de la Minería del País Vasco