Peter Tosh

Winston Hubert McIntosh, reconocido mundialmente como Peter Tosh, nació el 29 de octubre de 1944 en Westmoreland y dejó de existir el 11 de septiembre de 1987 en Kingston. Su vida estuvo marcada por una defensa férrea de los derechos humanos y una militancia a favor de la legalización de la cannabis. Comenzó formando parte de The Wailers para luego forjar una trayectoria como solista, consolidándose como una de las voces más influyentes del reggae y del Movimiento Rastafari. Su arte y su activismo se entrelazaron de forma inseparable a lo largo de toda su carrera.

Winston Hubert McIntosh, reconocido mundialmente como Peter Tosh, nació el 29 de octubre de 1944 en Westmoreland y dejó de existir el 11 de septiembre de 1987 en Kingston. Su vida estuvo marcada por una defensa férrea de los derechos humanos y una militancia a favor de la legalización de la cannabis. Comenzó formando parte de The Wailers para luego forjar una trayectoria como solista, consolidándose como una de las voces más influyentes del reggae y del Movimiento Rastafari. Su arte y su activismo se entrelazaron de forma inseparable a lo largo de toda su carrera.

Juventud y primeros contactos con la música

Winston Hubert McIntosh nació en un entorno rural de Jamaica, y su infancia estuvo condicionada por la juventud de sus padres, que no podían hacerse cargo de él. Su madre delegó la crianza en su tía, una figura que terminaría siendo decisiva en su formación, aunque no en los términos habituales. En una entrevista, Tosh describió esa influencia como una base que le dio una visión madura de la vida, algo que contrastaba con la actitud de sus progenitores y que lo impulsó a valorar la justicia por encima de la conveniencia.

Desde muy joven, el joven Winston tuvo claro que no conocía a su padre, James McIntosh, hasta que llegó a los diez años. El sacerdote local, que presumía ser su padre, tenía numerosos hijos con distintas mujeres y se negaba a reconocerlo como suyo. Esta revelación dejó en Tosh una impresión amarga: consideraba a su padre como una figura que abandonaba a su propia descendencia, lo que alimentó su espíritu crítico y su deseo de desafiar las convenciones que perpetuaban la desigualdad.

En su formación cristiana temprana, la vida en la iglesia fue un eje central. Participó a diario en la vida parroquial, cantando en coros y descubriendo el órgano como instrumento primera línea para su relación con la música. Un episodio crucial fue aquel momento en que cogió una guitarra por primera vez y, sin planearlo, improvisó una melodía que lo dejó absorto durante el día; ese instante resultó ser un presagio de su futura vocación artística.

La juventud de Tosh estuvo marcada por una mezcla de adversidad y descubrimiento. Esa combinación forjó un carácter resoluto, un sentido del humor agudo y una notable autosuficiencia, rasgos que lo acompañarían en su oficio y en su lucha por lo que consideraba justo.

En 1956, el joven Tosh y su tía se mudaron a Denham Town, en la capital Kingston, y un año después, tras la muerte de su tía, pasó a vivir con un tío en Trenchtown, un barrio que sería decisivo para su trayectoria artística y su visión del mundo. Allí comenzaron a dibujarse los primeros trazos de una identidad musical que se alimentaría de la vida callejera y de las experiencias compartidas entre vecinos y músicos emergentes.

The Wailers (1963-1974)

En Trenchtown, un gueto que recibía a trabajadores migrantes y a quienes buscaban una vida mejor, Tosh coincidió con Bob Marley y Bunny Wailer gracias a su profesor de canto, Joe Higgs, quien les enseñó a armonizar. Higgs recordaba a aquel trío como una semilla en crecimiento, y relataba que Tosh se acercó cuando ya estaban reunidos, presentando a Marley como la persona con la que querían formar un nuevo proyecto musical.

El trío empezó a cantar juntos en 1962 y, hacia 1963, adoptó el nombre The Wailing Wailers. Tosh afirmaba que, en aquellos inicios, él era quien tocaba un instrumento, y que Marley aprendió a tocar la guitarra gracias a su guía. Este periodo de aprendizaje mutuo dio forma a una alianza que sería decisiva para la historia del reggae.

Ya en 1963, con Junior Braithwaite y las voces de Beverley Kelso y Cherry Smith, registraron su primer sencillo, Simmer Down, tras una audición para Clement Coxsone Dodd en Studio One. El tema fue un éxito inmediato que les dio impulso para crecer, aunque también enfrentaron un patrón de explotación por parte de su productor que se repetiría a lo largo de su trayectoria. Con el paso de 1964 a 1967 Tosh registró numerosos sencillos en Studio One, apareciendo con distintos alias como Peter Mckingtosh o Peter Touch, y compartiendo coros con Marley y Bunny Wailer. En esa época emergieron canciones que más tarde serían icónicas, como 400 Years y I'm The Toughest, y Tosh afrontó su primer encarcelamiento por posesión de cannabis, una sustancia que abrazaría con el surgimiento de la filosofía rastafari, además de participar en una protesta contra la discriminación racial en Rhodesia.

Bob Marley pasó una parte de 1966 en Delaware, junto a su madre, y regresó a Jamaica a principios de 1967 con un renovado interés por la música y una nueva espiritualidad. Ya eran rastafaris Tosh y Bunny, y los tres intensificaron su compromiso con ese movimiento. Poco después, la banda adoptó de forma definitiva el nombre The Wailers, decisión que vino acompañada de una explicación sobre el término: “wail” se asociaba a expresar las emociones de forma vocal, una definición que resonaba con el enfoque social y político de su repertorio.

La trayectoria de la banda llevó el ska hacia el rocksteady y, con esa transición, comenzaron a incluir mensajes sociales y políticos en sus letras. The Wailers escribió canciones para Johnny Nash antes de romper por completo con Studio One en 1970 y unirse a la producción de Lee Perry para grabar algunos de los primeros grandes éxitos del reggae, como Soul Rebel, Duppy Conqueror y Small Axe. Con la incorporación de Aston Barrett en el bajo y de Carlton en la batería, The Wailers se convirtió en la sensación musical de Jamaica y firmó un contrato con Chris Blackwell y Island Records, que dio paso a los álbumes Catch a Fire (1973) y Burnin' (1973).

Catch A Fire marcó la apertura del reggae al público internacional y congregó clásicos como 400 Years y Stop That Train, interpretados por Tosh con un tono directo y militante que definiría gran parte de su obra. Burnin' continuó esa línea de conciencia social y, en la monumental Get Up, Stand Up, coescrita por Marley y Tosh, se consolidó como uno de los himnos de libertad más reconocidos a nivel global.

En 1973, un trágico momento golpeó a Tosh cuando viajaba con su novia Evonne; fueron víctimas de un accidente automovilístico en el que Evonne perdió la vida y él sufrió una grave fractura de cráneo. A pesar de las secuelas, Tosh logró sobrevivir, aunque el suceso dejó huellas profundas que influirían en su vida y su arte.

En 1974, Chris Blackwell se negó a lanzar su proyecto en solitario, y Tosh decidió abandonar el grupo, siguiendo un camino independiente que ya había intentado Bunny Wailer durante una gira previa. En aquel momento, Tosh sostuvo que Blackwell no valoraba su aporte como músico, y que la dinámica de The Wailers obstaculizaba su crecimiento artístico. Esta ruptura fue un punto de inflexión, pues marcó el inicio de su senda como solista y de una búsqueda más radical de su voz.

La salida de Tosh coincidió con una controversia sobre el uso del nombre The Wailers, ya que Marley mantuvo la marca para su proyecto; Tosh sostuvo que esa continuidad infringía el espíritu original del grupo y que el nombre no debería escindirse de las personas que lo habían construido. A lo largo de los años, reafirmó que cada uno debía seguir su propio camino sin que ello desdibujara el legado conjunto de aquellos años fundacionales.

Cuando se le preguntó por su trayectoria futura, destacó que cada artista debe cumplir su propio deber: Marley seguía su sendero creativo, mientras él forjaría el suyo, con la idea de sostener el legado rastafari y sus mensajes. Tosh es considerado, además, uno de los pioneros en la técnica de guitarra entrecortada que caracterizó al reggae, una innovación que dejó huella en la manera de interpretar ese género.

Solista

El debut en solitario de Tosh llegó en 1976 con Legalize It, una producción para CBS Records que se convirtió en un símbolo para los defensores de la legalización de la marihuana y para el público del reggae y el rastafarismo en todo el mundo. La canción que da título al álbum se convirtió en un himno para numerosos fans y en una de las piezas más solicitadas en sus presentaciones en vivo.

Con una postura frontal frente a la hipocresía del sistema, Tosh lanzó Equal Rights en 1977, uno de los discos más celebrados del reggae por su enfoque militante y su lenguaje directo. Formó la banda Word, Sound and Power para acompañarlo en giras y para sostener su presencia en escenarios internacionales durante los años siguientes.

En 1978 firmó con Rolling Stones Records y publicó Bush Doctor, un álbum que llevó su música a audiencias más amplias. El sencillo Don't Look Back, grabado en dúo con Mick Jagger y con coros de Neville Bardoli, lo catapultó a una mayor visibilidad. A la larga, Tosh consideró que encontraba en Estados Unidos una libertad más amplia para expresar sus ideas, aunque no dejó de reconocer las tensiones políticas y sociales que persistían allí.

Durante el One Love Peace Concert de 1978, Tosh encendió un porro y ofreció un discurso a favor de la legalización de la cannabis, dirigiéndose a los líderes presentes y cuestionando su gestión para avanzar en esa dirección. En ese evento, lanzó una de sus observaciones más recordadas: no cree en la política, pero soporta las consecuencias de sus verdades ante la realidad.

Pocos meses después, fue detenido al salir de una discoteca en Kingston y recibió una brutal paliza por parte de varios agentes, resultando en un brazo roto y múltiples heridas que requirieron puntos de sutura. En entrevistas posteriores, Tosh relató que no se defendió durante la agresión y que los oficiales dejaron de golpearlo cuando creían haberlo matado. Lejos de amedrentarse, mostró las cicatrices con orgullo y convirtió aquel episodio en una muestra de su compromiso contra las injusticias.

Con Mystic Man (1979) y luego Wanted: Dread and Alive (1981), ambos proyectos bajo la sombra de la producción de Rolling Stones, Tosh intentó ampliar su alcance comercial sin renunciar a su postura militante, aunque la magnitud de su figura en comparación con Marley no alcanzó los mismos planos de popularidad.

Las experiencias violentas y las tensiones con la autoridad inspiraron Oh Bumbo Klaat, una frase que llegó a ser polémica y que, pese a las restricciones legales, Tosh defendió como una forma de desafiar lo que él llamaba los "malos espíritus" de la sociedad. A partir de ese momento, dejó claro que no renunciaría a usar esa expresión. En la década de los ochenta también apareció en el video Waiting on a Friend de los Rolling Stones.

Después del lanzamiento de Mama Africa (1983), Tosh partió hacia un periodo de exilio para buscar orientación espiritual entre los “hombres medicina” de África y para replantear sus acuerdos de distribución en el sur del continente. En esa etapa trabajó con Bunny Wailer en un intento de reconstruir la idea de los Wailers originales, aunque la muerte prematura de Tosh impidió que ese proyecto llegara a materializarse.

Durante esos años concibió un nuevo disco, No Nuclear War (1987), grabado íntegramente en los Estados Unidos, que recibió elogios por su calidad y su mensaje. Pese a las declaraciones de la casa discográfica de no aprovechar la muerte de Tosh para explotar el material, el álbum salió a la venta y recibió un reconocimiento importante, incluyendo un Gramófono en la categoría de mejor producción de reggae en 1987.

En 1991 se estrenó Stepping Razor - Red X, un documental de Nicholas Campbell que reunió grabaciones del propio Tosh para contar la crónica de su vida, su música y su fallecimiento en clave íntima y testimonial. El film ofreció una visión más cercana del artista y de la potencia de su legado para generaciones futuras.

Creencias

Antes de la consolidación de la figura de Marley, Tosh, junto con Bunny Wailer, abrazó a finales de la década de 1960 la fe rastafari, una opción espiritual que lo acompañaría durante toda su carrera y que se convertiría en un eje de su identidad artística y pública.

Tras su muerte, la familia decidió inhumar a Tosh de acuerdo con los ritos de la Iglesia Ortodoxa Etíope; esa decisión reflejaba una de las múltiples corrientes que circulaban dentro de la comunidad rastafari, la cual, tras la muerte de Haile Selassie, vivió debates sobre la continuidad de su fe y su organización. Tosh permaneció fiel a su interpretación de la fe y, por ello, se sabe que hubiera optado por un funeral que respondiera a sus convicciones rastafari.

Legado

La huella de Peter Tosh en la música y en la lucha por la justicia social persiste como un referente fundamental del reggae y de la escena mundial. Su vida combinó la expresión artística con una contundente defensa de las libertades básicas y de la dignidad humana, transformando cada canción en una denuncia y cada escenario en un recinto de aprendizaje para su audiencia.

• Impacto internacional: su obra ayudó a difundir el reggae fuera de Jamaica y a situarlo como voz de protesta y de conciencia social a nivel global.
• Compromiso social: fue un crítico constante de las estructuras que perpetúan la opresión, y defendió la libertad individual frente a las imposiciones del poder político y económico.
• Legado musical: su enfoque guitarrístico y su estilo entrecortado dejaron una impronta que influenció a generaciones de guitarristas y músicos de reggae alrededor del mundo.
• Activismo y causas: participó en iniciativas contra el apartheid y defendió la legalización de sustancias, vinculando la música con un activismo consciente y directo.
• Reconocimientos: su discografía y su enfoque artístico recibieron reconocimientos que perduran en la historia del reggae y de la música popular.

Peter Tosh dejó un legado que continúa inspirando a artistas y a activistas por igual, recordándonos que la creación musical puede ser una forma de resistencia, una fuente de identidad y un motor de cambio social.