Chuck Close

Charles Thomas Close, conocido mundialmente como Chuck Close, nació en Monroe, Washington, el 5 de julio de 1940 y dejó de vivir el 19 de agosto de 2021 en Oceanside, Nueva York. Su carrera consolidó una manera de hacer retratos que se convirtió en referente: precisión extrema, escala monumental y una curiosa capacidad para adaptarse cuando la vida impuso límites. A lo largo de su recorrido, convirtió la observación minuciosa en un lenguaje visual que invitó a mirar con paciencia y detenimiento, desafiando la idea de que la grandeza exige simplificar la realidad.

Charles Thomas Close, conocido mundialmente como Chuck Close, nació en Monroe, Washington, el 5 de julio de 1940 y dejó de vivir el 19 de agosto de 2021 en Oceanside, Nueva York. Su carrera consolidó una manera de hacer retratos que se convirtió en referente: precisión extrema, escala monumental y una curiosa capacidad para adaptarse cuando la vida impuso límites. A lo largo de su recorrido, convirtió la observación minuciosa en un lenguaje visual que invitó a mirar con paciencia y detenimiento, desafiando la idea de que la grandeza exige simplificar la realidad.

Biografía

Inició su formación formal en Estados Unidos y, en 1962, obtuvo el BA en la Universidad de Washington en Seattle, una etapa que sentó las bases para una práctica centrada en la precisión y la reproducción de la imagen. Dos años después completó un MFA en la Universidad Yale, periodo que le permitió profundizar en las ideas del retrato y la representación. Tras una experiencia de estudio en Europa gracias a una beca Fulbright, regresó a su país para encontrar un sitio como docente, first en la Universidad de Massachusetts, donde combinó la enseñanza con la investigación de métodos pictóricos que luego convertiría en su sello.

En 1969 su trabajo fue seleccionado para formar parte de la Whitney Biennial, una muestra que le dio visibilidad en el circuito contemporáneo y marcó un punto de inflexión en su trayectoria. Al año siguiente, dio un paso importante con su primera exposición individual, consolidando una voz que ya no sólo reproducía rostros, sino que desentrañaba su complejidad. En 1973, una oportunidad decisiva llegó al MoMA, donde se presentó por primera vez su producción ante un público amplio, reforzando la idea de que el retrato podía ser una experiencia de gran densidad y precisión fotográfica sin perder la hondura humana.

El método de trabajo que lo distinguió consistía en la superposición de una malla sobre la fotografía y sobre el lienzo para reproducir, celda por celda, cada detalle de la figura. Sus herramientas iniciales para este proceso incluían un pulverizador, fragmentos de tela, cuchillas y una goma de borrar montada en una máquina perforadora, dispositivos que le permitían descomponer la imagen en unidades manejables sin perder la coherencia global. Su primer gran retrato de este enfoque fue el Gran Autorretrato, un lienzo gigantesco de 2,73 m por 2,12 m que demandó cuatro meses de trabajo incansable en 1968, y que dejó claro que la escala podía intensificar la experiencia de mirar la cara. Aquel periodo vio nacer otros retratos en blanco y negro que reforzaron la precisión estructural de su propuesta.

La repetición de imágenes fue una constante en su obra. Close volvía una y otra vez a las mismas fotografías para explorarlas con métodos distintos, como una manera de desentrañar lo que cada rostro tenía para revelar. Un retrato de Philip Glass formó parte de esa exploración en blanco y negro, pero su experimentación no se limitó a un solo registro: en 1977 se recompuso la imagen con acuarelas, en 1978 se sistematizó con tampón y huellas y, años después, en 1982, se presentó en papel gris hecho a mano, cada versión manteniendo la identidad del sujeto pero enfatizando texturas y dinámicas propias de cada técnica.

Exploraciones posteriores ampliaron el horizonte de su lenguaje. Realizó variantes con mallas que ya no eran estrictamente rectangulares, se aventuró en superficies que se parecen a mapas topográficos y experimentó con composiciones en rejillas de color CMYK, aun cuando la imagen se redujera a una escala que exigía una lectura más cercana. En este conjunto, el propio Gran Autorretrato se convirtió en un recordatorio de una claridad profesional tan nítida que, incluso en reproducción a página completa, su resultado podría confundirse con una fotografía; sin embargo, cada píxel era el resultado de una decisión estética y técnica deliberada.

La ruta cambió en 1988 cuando, en el día de una conferencia de entrega de premios, sufrió un colapso de la arteria espinal que lo dejó parapléjico. A pesar de la gravedad, siguió trabajando con una determinación que se convirtió en un ejemplo de resiliencia para el mundo del arte. Pintaba sosteniendo el pincel entre los dientes o con la herramienta sujeta por un compañero; en otras obras creó miniretratos en pequeñas casillas que, observadas a distancia, revelaban una imagen cohesionada. Con el paso del tiempo fue recuperando algo de movilidad y siguió pintando con una brocha fijada a la mano, manteniendo la exigencia de pulso y precisión que lo caracterizaba.

Kiki, completada en 1993, representa una etapa destacada de esa época de adaptación: su ejecución duró cuatro meses y dejó constancia de que la continuidad creativa podía convivir con las nuevas condiciones físicas sin perder la intensidad de la mirada. Durante años residió en Bridgehampton, Nueva York, un entorno que le ofreció un marco de tranquilidad y acceso a redes culturales que potenciaron su trabajo y su presencia pública.

Reconocimientos y colaboraciones acompañaron su trayectoria; fue miembro de la Academia de Artes y Letras Americana y recibió la Medalla Nacional de las Artes, distinción que celebra a los creadores que enriquecen la vida cultural de Estados Unidos. Sus logros no sólo son medallas: su legado reside en la forma de entender el retrato como una experiencia de observación paciente, en la posibilidad de redefinir la técnica sin abandonar la humanidad de la imagen y en la inspiración que supuso para generaciones de artistas que siguen explorando la relación entre la mirada, la técnica y la emoción.

Algunos de sus temas

• Richard Serra
• Nancy Graves
• Philip Glass
• Cindy Sherman
• Alex Katz
• Kate Moss
• Lucas Samaras
• Roy Lichtenstein
• Robert Rauschenberg
• Brad Pitt