Josef von Sternberg

Josef von Sternberg, cuyo nombre de nacimiento fue Jonas Sternberg, fue un cineasta de origen austriaco que forjó una de las estéticas más distintivas del cine moderno. Nacido en Viena el 29 de mayo de 1894 y fallecido en Hollywood el 22 de diciembre de 1969, dejó una huella imborrable gracias a su visión visual y a su sensibilidad para descubrir talentos que transformaron la pantalla, como Marlene Dietrich.

Josef von Sternberg, cuyo nombre de nacimiento fue Jonas Sternberg, fue un cineasta de origen austriaco que forjó una de las estéticas más distintivas del cine moderno. Nacido en Viena el 29 de mayo de 1894 y fallecido en Hollywood el 22 de diciembre de 1969, dejó una huella imborrable gracias a su visión visual y a su sensibilidad para descubrir talentos que transformaron la pantalla, como Marlene Dietrich.

Biografía

Procedía de una familia de raíces austríacas y de ascendencia judía, y su infancia discurrió entre su ciudad natal y la gran urbe estadounidense. A los seis años ingresó en una escuela vienesa en la que la enseñanza de la religión era obligatoria y allí aprendió a leer y escribir en hebreo, aunque no comprendía el idioma sacro que estudiaba. Esta educación temprana dejó una impronta en su curiosidad por las culturas y los símbolos que luego aparecerían en sus films.

El padre, desheredado por un matrimonio que contravino las expectativas familiares, debió abandonar la casa en 1897 y emigrar en solitario, empujado por la pobreza que castigaba a la familia. Sternberg, entonces el mayor de los hermanos, vivió una adolescencia marcada por la llegada de la crisis y, a los siete años, la familia se trasladó a los Estados Unidos. De inmediato se lanzó a aprender inglés y a asimilar la historia de América, experiencias que más tarde se convertirían en el sustrato de su mirada cinematográfica.

En 1908 regresó a Viena, ahora con once años, para reencontrarse con su lengua materna y con la ciudad que lo había visto nacer; sin embargo, las condiciones familiares continuaron siendo precarias y debió emigrar de nuevo a los catorce años, buscando un respiro promovido por la necesidad. Ya mucho después, cuando la ciudad atravesaba las sombras de la época nazi, volvió para comprender lo que la historia le había arrebatado, y lo que esa memoria podría aportar a su obra.

Comenzó la educación secundaria en la Long Island School de Nueva York, pero la precariedad económica de su familia y el incremento de hermanos a cargo lo llevaron a abandonar pronto los estudios y a buscar trabajo en Manhattan. Sus primeras ocupaciones estuvieron vinculadas al comercio de moda, tiendas y almacenes de ropa y accesorios; estas vivencias le dejaron intuiciones útiles para el diseño de vestuario y la puesta en escena de sus personajes en futuras películas.

El punto de inflexión llegó cuando encontró trabajo en Prospect Park, en Brooklyn, limpiando y reparando rollos de películas. En 1911 se convirtió en aprendiz de mantenimiento de salas y auxiliar de proyección; su habilidad técnica, combinada con una curiosidad intelectual sostenida, abrió la puerta a la industria cinematográfica y a su posterior ascenso como editor durante la década de 1920. Su curiosidad y su vocación artística se nutrieron de su deseo de aprender y de observar el mundo con paciencia.

Autodidacta y sediento de conocimiento, se empapó de la historia del arte renacentista y se convirtió en un lector voraz. Admiró a Erich von Stroheim y mantuvo una relación intelectual con Eisenstein cuando estaba en Europa; más tarde, intercambió cartas con él desde América, admirando particularmente su obra Marruecos. También siguió de cerca a Max Reinhardt y reconoció su influencia en la puesta en escena. Sin embargo, el aprendizaje práctico de Sternberg se fortaleció gracias a Émile Chautard, quien le instruyó con paciencia en los pormenores del oficio; Chautard trabajó luego con él en Marruecos y El expreso de Shangai, consolidando así la base de su estilo.

El inicio de su andadura como director se materializó en 1925 con The Salvation Hunters, una película que recibió elogios críticos y logró un asentamiento notable en la taquilla. En los años siguientes trabajó de forma más discreta, sin figurar siempre en los créditos de sus proyectos, pero sin perder la mirada que lo caracterizaría. Entre 1928 y 1930 se forjó una etapa decisiva: la colaboración con Emil Jannings y, sobre todo, el encuentro que marcaría su carrera con Marlene Dietrich, una actriz que acababa de irrumpir con fuerza tras formarse en la escena de Max Reinhardt y aparecer a comienzos de su carrera en el cine alemán.

La historia compartida con Dietrich llegó a un punto de inflexión en 1930 con El ángel azul, rodada en alemán y en inglés y producida para mostrarse en una escala internacional. En esa película, Jannings interpretó el papel principal y se configuró la que sería la musa del director, con una Dietrich que emergía como un icono de misterio y sexualidad contenida. A partir de este filme, Sternberg consolidó un binomio profesional y personal que daría lugar a títulos memorables y a una estética que desbordaría las convenciones de la época.

La relación entre director y actriz se manifestó en una cadena de colaboraciones que dejó películas entre las más vistas de la época. Marruecos y La Venus rubia, rodadas en California, y Capricho imperial situaron a la pareja en el centro de la atención, demostrando que la puesta en escena podía desplazar al guion con una fuerza visual sin precedentes. Sternberg estilizó las historias y llevó los entornos exóticos a un plano de profundidad psicológica que invitaba a explorar las sombras de la ciudad y la psicología de sus personajes.

Con el paso de los años, la trayectoria de Sternberg experimentó un giro: a partir de 1935 su filmografía empezó a declinar en términos comerciales y de recepción. Su enfoque estético, que privilegiaba la imagen sobre el guion, provocó desconcierto entre el público y llevó a que sus proyectos fueran sometidos a controles y limitaciones por parte de los estudios. Aun así, dejó obras notables y su figura siguió siendo objeto de estudio y reflexión, incluso cuando la industria le fue cerrando puertas. Su autobiografía, publicada en 1952, llevó el título de Fun in a Chinese Laundry y, a pesar de su juego irónico, ofreció un testimonio claro del proceso creativo y de las tensiones del oficio.

La vida de Sternberg terminó en Los Ángeles, en el inicio de una década que consolidó su legado como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX. Falleció el 23 de diciembre de 1969, dejando tras de sí una obra que sigue inspirando a directores y académicos. Sus restos descansan en un cementerio de la ciudad y, a lo largo de su trayectoria, dejó constancia de una relación tan estrecha con la Dietrich que ambos proyectos y gestos se convirtieron en parte de la memoria cinematográfica. Su nombre figura, además, entre las estrellas del Paseo de la Fama de Hollywood, como reconocimiento a su aportación al arte de filmar.

Trayectoria

El inicio de su filmografía como director se data en 1925 con The Salvation Hunters, una producción que halló eco entre críticos y espectadores y que marcó una primera afirmación de su estilo. Durante los años siguientes, mantuvo una presencia más discreta en la industria, con trabajos que no siempre figuraban en los créditos o que circulaban con menor visibilidad, pero que demostraron su constancia y su curiosidad por la forma y la narrativa. En ese periodo maduró una visión que combinaría dureza moral, lirismo visual y una atención obsesiva a los rasgos de sus personajes.

La colaboración con Emil Jannings dio cuerpo a una serie de proyectos que consolidaron su prestigio. En paralelo, el encuentro decisivo con Marlene Dietrich, una joven actriz que se convertía en símbolo de una generación, abrió la puerta a una nueva etapa en su carrera. Dietrich, que había recibido formación teatral y había trabajado en la escena de Alemania, aportó una presencia que encarnaba la elegancia enigmática y la rebelión contenida que Sternberg supo explotar para convertir sus films en experiencias sensoriales y psicológicas.

El ángel azul, estrenado en 1930, fue el punto de inflexión de su carrera: la interpretación de Dietrich, la dirección de Jannings y la puesta en escena de Sternberg combinaron una estética de sombras y luces que marcó la década. A partir de esa película, su gala visual se convirtió en una marca registrada: el vestuario, la iluminación y el encuadre se articulaban para contar historias de deseo, poder y autoafirmación, situando a Dietrich en un papel de mujer fatal que, sin perder su vulnerabilidad, desbordaba la figura tradicional de la heroína.

La relación profesional y personal con Dietrich se sostuvo en una serie de proyectos que se rodaron en distintos escenarios: Marruecos, La Venus rubia y Capricho imperial fueron polos de una cooperación que convirtió cada título en un ejercicio de estilo y de control del tono emocional. En cada obra se reforzaba la idea de que Sternberg, más que un mero narrador, era un artesano de la forma: cada decisión de montaje, cada ángulo de cámara, cada elección de iluminación parecía una palabra más en un idioma que él mismo hablaba con la cámara.

En 1931 presentó Una tragedia humana, adaptación de la novela de Theodore Dreiser, que mostró su capacidad para traducir la novela negra de EE. UU. a un lenguaje cinematográfico sobrio y contundente, aunque sin la presencia de Dietrich. Ese empeño por dramatizar las tensiones del individuo frente a la maquinaria social se reforzó con El expreso de Shangai, basada en Maupassant y filmada en escenarios reales de ferrocarril, en un intento de plasmar la fragilidad y la violencia del mundo contemporáneo. La crítica y la audiencia respondieron con una mezcla de asombro y escepticismo, confirmando que el director no temía explorar territorios controvertidos.

La década de los treinta continuó con La Venus rubia y Capricho imperial, trabajos que consolidaron las virtudes y limitaciones de su concepción: una precisión formal admirable, un uso de la puesta en escena que podía convertirse en un lenguaje autónomo, y una narrativa que a veces, sin embargo, arriesgaba la claridad de la historia en favor de una atmósfera hipnótica. A medida que avanzaba la década, la seguridad de su estilo convivió con una resistencia cada vez mayor del público a aceptar que la belleza formal pudiese dominar por encima del guion claro, lo que provocó tensiones entre Sternberg y los productores.

La década de mediados de los años treinta trajo la película El Diablo era mujer, un proyecto que, pese a contener un guion interesante escrito por John Dos Passos, fue objeto de críticas y recibió un trato económico que limitó su libertad. La película reflejó la tensión entre una visión puramente estética y las expectativas del mercado; un conflicto que, para el realizador, fue cada vez más difícil de sostener. Posteriormente, Crimen y castigo adaptó la novela de Dostoyevski, pero el proyecto estuvo atravesado por limitaciones para elegir a los intérpretes y por condiciones de producción que restaron fluidez a su enfoque inédito.

Más adelante, la crítica y la propia industria recordaron El embrujo de Shangai, estrenada en 1941, como un ejemplo de su capacidad para orquestar un relato complejo en clave exótica, con un tono que desbordaba las convenciones de su tiempo. En la década de los cincuenta, Jet Pilot ocupó un lugar polémico dentro de su filmografía, ya que Howard Hughes retuvo la película sin estrenar durante varios años, un episodio que simbolizó las tensiones entre el autor y el capital. Finalmente, Macao y Anatahan, rodadas en lugares remotos, mostraron su interés continuo por geografías lejanas y por historias de resistencia, supervivencia y deseo, incluso cuando la industria parecía cerrarle puertas.

Filmografía

Como director:

• 1925 - Cazadores de almas
• 1925 - La novia fingida (no figura en los créditos)
• 1926 - Una mujer del mar
• 1926 - La elegante pecadora
• 1927 - Ello (no figura en los créditos)
• 1927 - La ley del hampa
• 1928 - Los muelles de Nueva York
• 1928 - La última orden
• 1928 - La redada
• 1929 - El mundo contra ella (sonoro)
• 1930 - El ángel azul
• 1930 - Marruecos
• 1931 - Fatalidad
• 1931 - Una tragedia humana
• 1932 - El expreso de Shanghai
• 1932 - La Venus rubia
• 1934 - Capricho imperial
• 1935 - El Diablo era mujer
• 1935 - Crimen y castigo
• 1936 - La princesa encantadora
• 1941 - El embrujo de Shangai
• 1952 - Una aventura en Macao
• 1953 - Anatahan
• 1957 - Amor a reacción (Jet Pilot)

Premios y distinciones

Entre los reconocimientos que recibió a lo largo de su trayectoria, destaca la distinción de haber obtenido una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, situada en 6401 de Hollywood Boulevard, un testimonio de su influencia duradera en la historia del cine y de la memoria colectiva de la industria. Este homenaje cristalizó la admiración de varias generaciones por su enfoque audaz y por la forma en que convirtió la imagen en motor de la narración.